Harte con hache

El milagro del Whopper

2012-01-27T19:10:00.000+01:00

Abraham y los tres ángeles y el sacrificio de Isaac (546-548), mosaicos de San Vital de Rávena

(*) Este post es continuación de otro que publicamos hace unas semanas titulado "El milagro del Big Mac".

Una tarde de mucho calor, Abraham estaba repantingado a la puerta de su tienda de campaña (era nómada, así que no tenía casa) cuando de repente vio llegar a tres ángeles. Como buen anfitrión que era, les sentó bajo la sombra de un árbol y encargó a su mujer Sara y a un criado que les preparasen un delicioso refrigerio a base de pan y ternera, porque los ángeles puede que no tengan sexo, pero estómago sí que tienen. La comida debió tardar lo suyo en llegar, ya que según la biblia Sara tuvo que amasar la harina para los panes y el criado matar, despellejar, despedazar y cocinar al ternero, pero esto es irrelevante porque de todos es sabido que los ángeles, además de estómago, también tienen mucha paciencia. El banquete les satisfizo bastante y premiaron a la pareja con un hijo (que no era poca cosa porque los dos pasaban ya de los cien años, unos ancianitos vigorosos).

En los mosaicos bizantinos de San Vital de Rávena, encontramos una representación tradicional de esta escena: los tres ángeles sentados a la mesa con sus respectivas hogazas y Abraham acercándoles una bandeja con una mini ternera asada.

Abraham y los tres ángeles (detalle) (546-548), mosaicos de San Vital de Rávena

Sin embargo, en este cuadro de Tiepolo del Museo del Prado, parece que Abraham no quiso hacerles esperar tanto, así que mandó a Sara al Burger King de la esquina y les ofreció el pan y la ternera en formato Whopper (véase la esquina inferior derecha del lienzo). Ya se sabe, la comida rápida siempre te saca de un apuro...

Giovanni Battista Tiepolo, Abraham y los tres ángeles (hacia 1770), Museo del Prado, Madrid

Los orígenes de la ecografía 3D

2012-01-23T21:08:00.000+01:00

Taller de Konrad Wiltz, La Trinidad y la Visitación (1444), Gemäldgalerie, Berlín (detalle)

Las primeras en probar este gran avance tecnológico, incluso antes de que se inventara, fueron la virgen María y su prima Isabel. En algunas escenas del tema de la visitación, los artistas pintan sobre las barrigas de sus respectivas madres unos diminutos fetos flotantes con corona, que no son otros que Jesucristo y su primo segundo San Juan Bautista. Los fetos suelen mostrar signos de gran desarrollo, como podemos ver en este cuadro pintado por subalternos del taller de Konrad Witz, en el que Jesucristo se sienta con los brazos cruzados y San Juan se arrodilla rezando piadosamente ante él.

Aquí abajo tenéis el cuadro completo, mal titulado La Trinidad y la Visitación, ya que los artistas han pintado a Dios como Padre, Hijo y Espíritu Santo (paloma), o sea la Trinidad, y no contentos con eso, también como cordero y como feto... ahí es nada (haced clic en la imagen para verla más grande).


Taller de Konrad Wiltz, La Trinidad y la Visitación (1444), Gemäldgalerie, Berlín

¿Y por qué se pintan estos fetos? El motivo principal es la moda impuesta por la santa madre iglesia. No estaba bien que la virgen apareciese vestida con prendas ajustadas haciendo alarde de su divino embarazo, lo correcto era cubrirla con ropas amplias y un envolvente manto. Y claro, para el artista era una complicación conseguir que se notase que estaba embarazada con tanta tela. El recurso del feto ayudaba a aclarar qué tema se estaba representando.

Otros artistas más naturalistas acudían a gestos propios de embarazadas, como podemos ver en este cuadro de Roger van der Weyden, en el que las dos primas se echan mano a sus respectivas panzas. A Isabel la pintan siempre más vieja que a la virgen. Según los evangelios, ya se le había pasado el arroz cuando un ángel le dijo que estaba embarazada. Su marido Zacarías (que es el que aparece al fondo, frente a la puerta de la casa) no se lo creyó y el ángel le castigo dejándole mudo durante todo el embarazo de su señora, por listillo.

Roger van der Weyden, La visitación (1426-1430), Museum der Bildenden Künste, Leipzig

Sin duda, la mejor pose de embarazada la consigue Piero de la Francesca en su Madonna del Parto, demostrándonos que con un poco de maña no hace falta pintar fetos, por muy amplias que sean las túnicas.

Piero della Francesca, Madonna del Parto (1476-1483), Museo Civico, Arezzo

Pero, ¿a qué los fetos son mucho más divertidos?

Tapiz de la visitación (1410), Museo de Artes Aplicadas, Frankfurt

El club La bohème

2012-01-19T16:38:00.000+01:00

Puccini cumpliendo condena (es broma)

No era un club precisamente selecto. Su centro de operaciones era una caseta destartalada de Torre del Lago. Allí se reunían el compositor Puccini y sus amigos para empinar el codo y darle al naipe. Se fundó en la época en que Puccini estaba componiendo la ópera que le da nombre (y de la que ya hablamos en este otro post). Puccini era el presidente y el reglamento del club era el siguiente (sin haberlo preparado me ha salido un pareado):

Los socios del club "La bohéme", fieles intérpretes del espíritu de la fundación del club, juran beber bien y comer mejor.
Los cascarrabias, débiles de estómago, pobres de espíritu, rezongones y demás desgraciados de este género, no están admitidos y los miembros del club procederán a echarlos furiosamente.
El presidente cumplirá las funciones de árbitro y se encargará de obstaculizar la labor del tesorero destinada al cobro de las cuotas.
El tesorero está facultado para huir llevándose la caja.
El local estará iluminado con lámparas de petróleo. En caso de falta de combustible, se utilizarán los mocos de los socios.
Está completamente prohibido todo juego legal.
Está prohibido el silencio.
No se aceptará la prudencia ni siquiera en casos excepcionales.

Reglamento extraído de la biografía "Puccini" de Peter Southwell-Sander, editorial Ma non troppo, 2002.

¿Nos borramos del mundo?

2012-01-15T22:39:00.000+01:00

Jean-Baptiste-Camille Corot, La soledad (1866), Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Todos hemos tenido días en que después de leer el periódico nos planteamos seriamente desapuntarnos de la civilización y escaparnos a vivir a una casita en las montañas, sin más compañía que una gran pila de libros, buena música y un perro con el que pasear por el campo.

A todos los urbanitas de todas las épocas se les ha pasado esta idea por la cabeza, empezando por el poeta romano Horacio con su Beatus Ille, continuando con la Oda a la vida retirada del renacentista Fray Luis de León y rematando con el lied de Gustav Mahler que traemos hoy al blog.

Se titula Ich bin der Welt abhanden gekommen (Me he retirado del mundo) y pertenece a un ciclo de canciones llamado Rückert Lieder, compuesto entre 1901 y 1902 a partir de unos poemas de Friedrich Rückert. En esta interpretación, la mezzosoprano Magdalena Kožená consigue transmitir con una sutileza casi mágica la tranquilidad y el ensimismamiento de la soledad buscada (si en la tercera estrofa no se te ponen los pelos como escarpias, es que no tienes sangre en las venas).

Vídeo de LelioRiccoboni

Ich bin der Welt abhanden gekommen,
Mit der ich sonst viele Zeit verdorben,
Sie hat so lange nichts von mir vernommen,
Sie mag wohl glauben, ich sei gestorben!

Me he retirado del mundo
en el que solía perder tanto tiempo
hace tanto que no escuchan nada de mí
¡que bien pueden pensar que he muerto!

Es ist mir auch gar nichts daran gelegen,
Ob sie mich für gestorben hält,
Ich kann auch gar nichts sagen dagegen,
Denn wirklich bin ich gestorben der Welt.

Y poco me importa
que me crean muerto;
no puedo negarlo
puesto que realmente he muerto para el mundo.

Ich bin gestorben dem Weltgetümmel,
Und ruh' in einem stillen Gebiet!
Ich leb' allein in meinem Himmel,
In meinem Lieben, in meinem Lied!

¡He muerto para el bullicio del mundo
y descanso en un lugar tranquilo!
¡Vivo solo en mi cielo,
en mi amor y en mi canción!

Y el premio al mejor harakiri es para...

2012-01-13T18:51:00.000+01:00

Madama Butterfly haciéndose el harakiri, pintada por Elisa F-V (10 años) en una tablet

Señoras y señores del jurado,

Harte con Hache les solicita su colaboración en este certamen mundial de Madamas Butterfly en el que las participantes practicarán el antiquísimo rito samurai del harakiri en sus propias carnes.

A continuación les proporcionamos las pautas básicas de harakirismo para que voten con conocimiento de causa a la Madama Butterfly que mejor se rebane la yugular.

Se recomienda beber primero un chupito de sake y escribir un poema en un abanico (como esto no lo hace ninguna de las participantes, declaramos nula la norma)
La harakirista debe ponerse en el suelo de rodillas (sería de muy mal gusto hacerse el harakiri tirada en un sofá)
Ha de envolver el mango de la daga con un trapo o papel para no mancharse las manos de sangre puesto que es algo superdeshonroso (y tengamos en cuenta que uno se hace el harakiri para lavar su honor).
Debe atarse las rodillas, muslos o tobillos con una cinta o cuerda para evitar morir abierta de patas, que es igual de deshonroso que mancharse las manos.
Clavarse la daga en el abdomen es de machorros. Una señorita que se precie deberá practicarse el corte en el cuello (a no ser que sea un travestido, en cuyo caso supongo que puede escoger la modalidad que más le guste).

Para que les sirva de muestra, aquí tienen a una harakirista profesional haciendo las cosas como mandan los cánones:

La esposa de Onodera Junai preparándose para hacerse el jigai (harakiri femenino), 1848

Antes de que las participantes empiecen a suicidarse, la organización del certamen debe comunicarles que el hijito rubio, rizoso y de ojos azules de Madama Butterfly (sí, es como un querubín a pesar de que ella sea japonesa) la interrumpe en medio del ritual, haciendo que tenga que despedirse de él de forma lacrimógena y plenamente italiana. Como buena madre, le tapa los ojos con una venda para que no vea nada y le deja jugando ahí al lado. Y ahora, sin más dilación, presentemos a las participantes (pasando un poco por alto el hecho de que ninguna sea realmente japonesa):

La primera participante es la soprano italiana Mirella Freni en la película dirigida en 1974 por Jean Pierre Ponnelle:

Vídeo de cavaradossi62

La segunda participante es la soprano norteamericana Patricia Racette en una representación del Metropolitan de Nueva York del año 2009, con puesta en escena del fallecido cineasta Anthony Minghella. Avancen hasta el minuto 3:00 para ver sólo la escena del harakiri.

Vídeo de CamelloParlante

En tercer lugar participaba la famosa soprano italiana Renata Tebaldi, a la que la organización del certamen ha tenido que descalificar primero por esconderse detrás del biombo (aunque eso es lo que manda Puccini en el libreto) y segundo por caerse tan, tan, tan mal: enlace al vídeo.

En cuarto lugar participa la soprano norteamericana Anna Moffo en una grabación de 1956. A pesar de que se esconde detrás del biombo, la organización ha decidido no descalificarla porque nos ha gustado el gesto de que le dé al niño una Nancy japonesa para jugar.

Vídeo de Jamm79

Señores del jurado, la decisión está en sus manos...

¡Hasta pronto Thomas!

2012-01-12T22:50:00.000+01:00

Hoy toca ponerse serios... Ayer, Thomas Quasthoff, el mejor bajo-barítono que he escuchado nunca, anunció que se retiraba definitivamente de los escenarios por problemas de voz con tan solo 52 años. Thomas era insuperable cantando lieder, a los que conseguía dar una emoción difícil de explicar, convirtiéndolos en algo realmente sublime. Le echaremos mucho, mucho, mucho de menos.

Y para despedirnos del gran Thomas, qué mejor que disfrutar de su magnífica interpretación de Gute Nacht acompañado al piano por Daniel Barenboim. Es la primera canción del ciclo de lieder Winterreise (Viaje de invierno), compuesto por Franz Schubert a partir de unos poemas de Wilhelm Müller. Habla de un hombre que llega y se marcha de un pueblo donde se enamora de una joven. El ritmo imita el caminar de este viajero incansable que recorre diferentes lugares a lo largo del invierno. En este enlace tenéis el texto original en alemán y su traducción.

Vídeo de giannibodoar

Pero como no nos gustan las despedidas tristes, veamos a Thomas Quasthoff cantando una divertidísima canción infantil americana: I bought me a cat de Aaron Copland, en el que imita los sonidos de los animales de la granja.

Vídeo de kwertmill

Los colgajos de Noé

2012-01-10T22:49:00.000+01:00

La historia del arca de Noé es mundialmente conocida (véase el post anterior), pero la anécdota de sus colgajos no lo es tanto, a pesar de que también ha sido muy representada en el arte. El nombre técnico de este tema iconográfico es "La embriaguez de Noé", que suena algo mejor pero que sigue sin dejarle en muy buen lugar.

Según nos cuenta la biblia, después de desembarcar del arca con su familia y de cumplir gustosamente el mandato de Dios "procread y multiplicaos", Noé decidió dedicarse a la viticultura. Lógicamente, antes de comerciar conviene probar y el incauto ancianito, cata que te cata, se pilló una castaña de no te menees con su producción de tintorro.

Cuando Cam entró en la tienda y se encontró a su respetable padre durmiendo la mona en pelota picada, con todas las vergüenzas al aire, le entró la risa floja y corrió a avisar a sus hermanos Sem y Jafet. El caso es que éstos se negaron a mirar, quién sabe si por respeto o por evitar presenciar tan espeluznante espectáculo, y caminando de espaldas se acercaron a su padre y le taparon con un manto. Evidentemente, en cuanto Noé se despertó, les faltó tiempo para chivarse. El patriarca, enfurecido, con esa lógica aplastante de los personajes bíblicos, maldijo a Canán, el hijo de Cam, que no había tenido nada que ver en el asunto, a ser "el siervo de los siervos de sus hermanos". ¿Entiende alguien el castigo? Yo no.

Veamos ahora algunos ejemplos artísticos de esta embriagadora anécdota. Una de las versiones mas conocidas es este relieve del Palazzo Ducale de Venecia atribuido a Nicolo Ranuerti. Los que hayáis ido a Venecia habéis pasado por delante fijo (está en la esquina desde la que se ve el Puente de los Suspiros). El artista aprovechó la esquina del edificio para representar a Noé en un lado, ligeramente escorado y dejando caer la taza de vino, y a dos de sus hijos en el otro (no le debían caber los tres), separándolos por medio de la vid.

Atribuido a Nicolo Ranuerti, La embriaguez de Noé (h. 1420), Palazzo Ducale, Venecia

En este cuadro de Giovanni Bellini, Noé ya no aparece tan digno. El hijo del medio es Cam, que le mira y se sonríe con sorna, y los de los lados son los que le tapan... aunque yo creo que el de la izquierda no se ha resistido a echar también una miradita. El autor nos da otras pistas para que reconozcamos el tema: la vid del fondo, el cuenco vacío y el racimo de uvas en el suelo (haced clic en cualquiera de las imágenes para verla más grande).

Giovanni Bellini, La embriaguez de Noé (h. 1515), Museo de Bellas Artes de Besançon

La versión que pintó Miguel Ángel en el techo de la Capilla Sixtina siempre me ha parecido un tanto extraña... ¿Por qué les parece tan raro que Noé esté desnudo cuando ellos también lo están?

Miguel Ángel, La embriaguez de Noé (1508-1512), Capilla Sixtina

Y acabamos con dos miniaturas medievales que no hacen ninguna concesión al pudor y dignidad de este patriarca bíblico. Realmente, sobran las palabras...

Speculum Humanae Salvationis (Colonia, 1450)

Bible Historiae de Petrus Comestus (Francia, 1372)

Astilleros Noé & Co.

2012-01-07T11:51:00.000+01:00

Todos conocemos la historia de Noé, ese señor que ante la amenaza de un terrible tsunami construyó un barco gigante en el que metió a toda su familia y a dos animales de cada especie. Sin embargo, a pesar de todas las investigaciones realizadas, este relato sigue teniendo muchos agujeros negros: ¿cómo pudo hacerse Noé con todas las especies de animales, incluídos pingüinos y osos polares, en Israel? ¿Por qué no nos hizo el favor de dejar fuera a mosquitos y cucarachas? ¿Cómo se las apañó para que las bestias no se devorasen unas a otras?

En fin... dejemos estos misterios irresolubles para los eruditos y centrémonos en el arte. Veamos diferentes modelos de arcas pintadas por miniaturistas medievales que desafían las leyes más elementales de la física, la ingeniería naval y la lógica.

Empecemos con este arca de tres pisos, con ventanitas para que puedan asomarse humanos y animales. Según la historia, Noé viajó con su esposa, sus tres hijos y sus respectivas (cuatro hombres y cuatro mujeres). En la viñeta de arriba vemos trabajando a ocho hombres. Mediante una simple operación matemática, podemos deducir que cuatro de ellos perecieron ahogados en el diluvio después de haber construido el arca. Un detalle muy feo por parte de Noé, ¿no os parece? Aunque visto el aspecto amenazador que tiene con el hacha en la mano, cualquiera le llevaba la contraria.

Li livre des ansienes estoires, Francia (hacia 1285), British Library

Aquí tenemos dos arcas en forma de casa. En la primera sólo viaja Noé. Por lo que parece, a su familia no le ofrecía demasiada confianza una embarcación construida en ladrillo y prefirieron quedarse en tierra o construyeron un arca alternativa. La segunda es una especie de edificio flotante con elegante decoración gótica en oro, una especie de Titanic de la época. Para subirse a esta, ninguno puso reparos.

Miniatura del norte de Francia (hacia 1280), British Library

Les heures de Louis de Laval, Francia (1480)

Otro modelo de arca bastante popular en la Edad Media fue el formato nave espacial. Estas arcas eran mucho más compactas, seguras y aerodinámicas. Sin embargo, su reducido tamaño no permitía meter dos animales de cada especie, por lo que debieron aparearse unos con otros como buenamente pudieron, dando lugar a la variada fauna que conocemos hoy en día.

Les croniques de Burgues, Francia (anterior a 1407)

Bible Historiale de Guyart des Moulins, Francia (hacia 1411)

Y acabamos con esta sencilla barca a remo que me niego a incluir en la categoría de "arca". Me cuadra más que sean Noé y su familia haciendo prácticas de navegación antes del diluvio o bien disfrutando del domingo en una barca del parque del Retiro.

Miniatura inglesa de fines del XIV, British Library

El milagro del Big Mac

2012-01-07T10:00:00.000+01:00

Había una vez un santo llamado Antonio que decidió ir a visitar a un amigo, también santo, llamado Pablo. Pablo era un ermitaño, es decir un hombre muy de campo que vivía en una cueva y se alimentaba de lo que le ofrecía la madre naturaleza (una especie de naturista de la época). Antonio llegó hambriento de la larga caminata y Pablo le recibió con los brazos abiertos, pero sólo podía ofrecerle unas miserables bayas muy adecuadas para el estreñimiento ocasional. "No te preocupes Pablo", dijo Antonio, "recemos juntos, que Dios proveerá".

Y Dios proveyó, enviándoles a través de un cuervo mensajero un delicioso... ¡¡¡Big Mac!!!

Velázquez, San Antonio Abad y San Pablo ermitaño (hacia 1634), Museo del Prado, Madrid

Detalle del cuervo con el Big Mac

Ni magos, ni reyes, ni tres

2012-01-05T18:54:00.000+01:00

¿Sabíais que los tres reyes magos no eran ni magos, ni reyes ni tres? En la biblia solo se habla de unos hombres sabios que llegaron a Belén desde oriente siguiendo una estrella y que allí se encontraron con el niño Jesús, al que le ofrecieron tres regalos: oro, incienso y mirra. Pero la tradición ha ido mejorando la historia poco a poco...

La representación pictórica más antigua de estos señores está en la catacumba Priscila de Roma y es del siglo III d.C. Aquí ya se había decidido que iban a ser tres, uno por cada regalo. La pintura está bastante deteriorada pero nos permite distinguir a tres seres humanos, uno blanco, uno rojo y otro azul, llevando algo en las manos. A la derecha está la virgen con el niño en brazos. Y si nos esforzamos un poco más, podemos incluso llegar a ver alguna cara de Bélmez (es coña).

La adoración de los magos (siglo III d.C), Catacumba Priscila, Roma

Varios siglos después, volvemos a encontrarnos con ellos en un mosaico de la basílica de San Apolinar Nuovo en Rávena. Para que nos quede claro que vienen de Oriente, les encasquetan un gorro frigio, que es esta especie de barretina de origen turco -posteriormente inmortalizada por Papá Pitufo- que se utilizaba desde el arte clasico griego para distinguir a los orientales de los occidentales. Además, para diferenciarlos entre sí, representan a uno joven, a uno madurito y a otro viejo (sin barba, con barba marrón y con barba blanca)... ¿os va sonando un poco? Los nombres aparecen escritos arriba, aunque no coinciden con los que utilizamos ahora; para nosotros, Baltasar es el más joven y Melchor el más viejo.

La adoración de los magos (siglo VI), San Apolinar Nouvo, Rávena

A principios del siglo XIV en Italia, Giotto di Bondone pintó esta deliciosa escena en las paredes de la Capilla Scrovegni de Padua. Aquí ya tenemos estrella, camellos (igualitos que los de playmobil) y coronas reales. Giotto fue uno de los iniciadores del arte renacentista, intentando dar volumen a las figuras y buscando la perspectiva. El azul de sus cielos, visto en directo, es algo que no se olvida (ninguna foto le hace justicia).

Giotto, La adoración de los magos (hacia 1305), Capilla Scrovegni, Padua

Y acabamos este viaje en el tiempo con una representación "clásica" de los tres reyes magos pintada por El Bosco. Los reyes magos ya son como los de ahora: uno negro, uno árabe y uno occidental, de más joven a más viejo respectivamente. La iglesia católica decidió que se debían pintar así por eso de la globalización del cristianismo, para que todos se sintieran representados.

El Bosco, La adoración de los magos (hacia 1495), Museo del Prado, Madrid

Es un cuadro lleno de símbolos. En la capa de Gaspar está bordada la visita de la reina de Saba a Salomón, una escena que en el arte religioso prefigura la adoración de los magos (les chiflaba hacer paralelismos entre el antiguo y el nuevo testamento). Y en el regalo de Melchor, que está en el suelo junto a su sombrero, aparece tallado el sacrificio de Isaac, que prefigura el martirio de Jesucristo. Interesante, ¿eh?

Pero lo mejor, sin duda, son los ingeniosos detalles de este divertidísimo pintor, como estos cotillas que se asoman por las rendijas y trepan hasta el techo de la tambaleante casa para ver bien la escena...

... un cazador que está siendo devorado por un animal salvaje, mientras su chica huye de un lobo y un jabalí hembra se pasea tranquilamente con sus hijitos y un cuervo subido en el lomo...

... o este extraño señor medio nudista, con sonrisa sarcástica y moreno agroman, que le ha robado la corona al pobre Gaspar.

Ríete tú de Tarantino

2012-01-03T22:39:00.003+01:00

François Dubois, La matanza de San Bartolomé (1576-1584), Musée Cantonal de Beaux-Arts, Lausanne

Este delicioso cuadro, lleno de sutiles y delicados detalles, representa una de las escenas más terribles que se vivieron en el París del siglo XVI: la matanza de San Bartolomé, que tuvo lugar la noche del 23 al 24 de agosto de 1572.

Esta masacre fue el episodio más sangriento de las guerras de religión que enfrentaron durante años a católicos y hugonotes (protestantes) en Francia. La familia real francesa era católica de pura cepa. Para calmar un poco los ánimos de la población, el rey Carlos IX decidió casar a su hermana Margarita de Valois (la famosa reina Margot) con Enrique III de Navarra, líder de los hugonotes. La ciudad estaba plagadita de herejes borrachos que seguían de juerga celebrando los esponsales. ¿Qué mejor momento para pillarles desprevenidos? La reina madre, Catalina de Medicis, azuzó a su hijo y a otros nobles católicos para hacer una limpieza religiosa que acabó como el rosario de la aurora (nunca mejor dicho).

Años después, Enrique de Navarra, que estaba deseando acomodar sus reales posaderas en el trono francés, no tuvo demasiados reparos en pasarse al enemigo, convirtiéndose al catolicismo con aquella cínica frase de "París bien vale una misa". Esta fue la inauguración oficial de la dinastía de los Borbones en Francia... gente de sólidos principios que no se vendería por nada.

Los fans de Tarantino podéis hacer clic en la imagen para ampliarla y regodearos un poco con los detalles gores del cuadro (la dama de negro que aparece al fondo revisando una pila de cadáveres no es otra que Catalina de Medicis).

Nochevieja desenfrenada

2011-12-30T01:23:00.001+01:00

Queridos lectores,

Si vuestra intención es desmadraros esta nochevieja, os recomiendo buscar inspiración en la opereta Die Fledermaus (El murciélago) de Johann Strauss II, estrenada allá por 1874. La fiesta del segundo acto es épica. No os podéis perder el brindis al "champán, dios de los vinos" (minuto 1:32:07) y la salvaje polka Unter donner und blitz/Bajo truenos y relámpagos (minuto 1:40:10), en la que se hacen patentes los estragos provocados por la ingesta de alcohol entre los invitados. La puesta en escena es divertidísima... una especie de Paquito el chocolatero a la vienesa.

Die Fledermaus - Johann Strauss II
Metropolitan de Nueva York, 31 diciembre 1986

Dirigida por Jeffrey Tate. Producción de Otto Schenk

Intérpretes: Kiri Te Kanawa (Rosalinde), Judith Blegen (Adele), Tatiana Troyanos (Orlofsky), Hakan Hagegard (Eisenstein), David Rendall (Alfred), Michael Devlin (Falke), Frank Mazura (Frank)

El que tenga tiempo y quiera, puede verla entera (es una buena forma de aprovechar la resaca del día 1). El argumento es algo lioso para explicarlo aquí, pero está bien resumido en la wikipedia. En este otro enlace, encontraréis el libreto. Y para los que prefieran ir al grano, estos son los mejores fragmentos (aparte del brindis y la polka, claro):

La famosísima obertura (desde el principio del vídeo hasta el minuto 8:25)
El trío de Rosalinde, su marido Eisenstein y Adele, la doncella (minuto 34:50; So muss allein ich bleiben/Entonces, debo quedarme sola, acto I)
El dúo de Rosalinde y su antiguo novio Alfred (minuto 40:50; Trinke, Liebchenm trinke schnell/Bebe cariño, bebe deprisa, acto I)
El aria del príncipe Orlofsky (minuto 1:02:05; Ich lade gern mir Gäste/Agasajo con gusto a mis invitados, acto II)
El aria de las risas de Adele (minuto 1:07:10; Mein Herr Marquis/Mi señor marqués, acto II)
Las czardas de Rosalinde, haciéndose pasar por condesa húngara (1:23:50, Klänge der Heimat/Sones de mi país, acto II)

¡¡¡FELIZ AÑO NUEVO!!!

¡Harte con Hache os desea Feliz Navidad!

2011-12-23T08:00:00.000+01:00

Para celebrar estas fiestas, una escena operística que transcurre en Nochebuena y tiene hasta villancicos: el último acto de la ópera Werther de Jules Massenet.

Werther acaba de dispararse un tiro en el pecho al ser rechazado por enésima vez por su adorada Charlotte. Ella corre a su casa para acompañarle en sus estertores y darle por fin, la muy cabrita, el beso que él llevaba suplicándole media ópera. Como buena ópera romántica, no puede faltar el morbo. Las últimas palabras de Werther son instrucciones sobre cómo quiere ser enterrado, mientras suenan de fondo los alegres villancicos que cantan los hermanitos de Charlotte.

¿Poco apropiada para estas fechas? Puede ser, pero tiene villancico y así es Harte con Hache. Y además, es taaaan bonita y Jonas Kaufmann es taaaan mono y canta taaaan bien, que no deja de ser un regalo para los oídos y la vista. A disfrutarlo, señores.

Vídeos de DalilaCarmen

Cantado por Jonas Kaufmann y Sophie Koch en la Ópera Nacional de París, 2010, dirigidos por Michel Plasson (DVD altamente recomendable)

Cómo ligarse a la vecina en Nochebuena

2011-12-22T19:30:00.000+01:00

Protagonistas:

Rodolfo, escritor submileurista que vive en un piso compartido con tres amigos.
Mimí, la vecina de arriba, una chica con aspecto de mosquita muerta que se las sabe todas.

Antecedentes:

Los colegas de Rodolfo han salido de copas al Barrio Latino, donde le esperan para correrse una juerga. Él se ha quedado un rato para acabar un artículo. De repente, la vecina de arriba llama a la puerta pidiendo lumbre y sufre un vahído... ¿Cómo proceder?

Táctica de acercamiento:

Rodolfo le ofrece a la chica un vaso de vino para que recupere las fuerzas (en realidad, lo que quiere es emborracharla, pero no conviene ser demasiado directo). Las frases que masculla entre dientes denotan que el chico está algo necesitado de "emociones". Mimí deja caer disimuladamente la llave de su apartamento al suelo, hace como que se va y justo en la puerta se "percata" de que la ha "perdido". Le pide a Rodolfo que la busque. Rodolfo debe apañárselas para soplar todas las velas de la habitación sin que se note y echar la culpa a las corrientes de aire de la casa, ay qué malas son. Este truco barato es perfecto para propiciar un acercamiento aprovechando la oscuridad reinante. Los dos gatean por el suelo, cual felinos en celo, haciendo que buscan la llave. Después de hacer manitas un rato, Rodolfo tiene que currárselo un poco y contarle a Mimí quién es él y a qué dedica el tiempo libre.

Vídeo de llunatiq

¿En tu casa o en la mía?

Mimí se presenta formalmente y le dice a Rodolfo que le encanta tomar el sol en la azotea. Rodolfo quiere llevársela al catre ipso facto aprovechando que el piso está vacío (a saber cuándo volverá a darse una oportunidad así). Ella dice que prefiere salir de copas un rato con él y sus amigos (no quiere que se note que ha bajado a lo que ha bajado). Rodolfo insiste a la desesperada diciendo que "fuera hace mucho frío" (esto lo dice en italiano, aunque viva en París). Mimí se sale con la suya prometiéndole que "estará bien pegadita a él" (el calor humano es el mejor calefactor). A Rodolfo no le queda otra que salir con la chica y presentársela a los buitres de sus amigos, con los riesgos que eso comporta. Al final, Rodolfo conseguirá su objetivo, aunque Puccini no nos deja claro si en su casa o en la de ella.

Vídeo de llunatiq

La Bohème - Giacomo Puccini
Rodolfo: Marcelo Álvarez
Mimí: Cristina Gallardo-Domas
Dirigida por Bruno Bartoletti
Producción de Franco Zefirelli
Teatro alla Scala de Milán (2003)

Buen provecho

2011-12-21T19:55:00.000+01:00

Para ir abriendo boca de las comilonas que nos esperan, hoy os traigo un trocito de una ópera muy navideña, Hansel y Gretel de Engelbert Humperdinck (no confundir con un famoso cantante inglés de los sesenta que le plagió este magnífico nombre, el Humperdinck alemán es the original one and only, no se dejen engañar por imitaciones). La ópera, basada en el famoso cuento de los hermanos Grimm, empezó siendo una obra de teatro navideña en la que actuaban los sobrinitos de Humperdinck y acabó convirtiéndose en una ópera cantada por dos mujeres adultas haciendo de niños. Así es la vida...

Los pobres Hansel y Gretel están perdidos en el bosque, muertos de miedo y hambre. De repente, se les aparece el terrorífico Hombre de Arena (Sandman), un personaje que, según la leyenda, va por ahí echando arena en los ojos de los niños para que se duerman. Encantador, ¿verdad? (sospecho que es socio de un oftalmólogo o algo así). El caso es que los niños, casi ciegos por culpa de este cafre, no tienen más remedio que irse a dormir entre unos helechos, cantando primero una deliciosa oración. El texto original es en alemán, pero como es una ópera apta para público infantil se traduce muchas veces a otros idiomas (inglés en este caso). Aquí la tenemos cantada por Christine Schäffer (Gretel), Alice Coote (Hansel) y Sasha Cook (Sandman), el el Metropolitan de Nueva York (2008).

Vídeo de TheHumperdinck

Justo después de esta escena, suena un precioso fragmento orquestal titulado Pantomima. Según el libreto, Hansel y Gretel se han quedado dormidos y unos ángeles bajan del cielo y les rodean para protegerles. Los directores de escena se niegan a representar tal cursilada y lo cambian habitualmente por un sueño en el que las dos criaturas se pegan un banquete imaginario. Buen provecho.

Vídeo de TheHumperdinck

Vajilla Clásica Partenón, para cenas íntimas

2011-12-19T22:39:00.000+01:00

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El que siembra, recoge

2011-12-15T21:32:00.000+01:00

Vincent Van Gogh estaba obsesionado con la parábola del sembrador y durante el año 1888, mientras vivía en Arlés, se devanó los sesos hasta conseguir representarla de forma satisfactoria. Todos sus intentos e ideas, más o menos peregrinas, están documentados en sus famosas cartas.

¿Y qué es lo que decía esta parábola para trastocarle tanto? Pues más o menos esto:

"He aquí, el sembrador salió a sembrar. Y mientras sembraba, parte de la semilla cayó junto al camino; y vinieron las aves y la comieron. Parte cayó en pedregales, donde no había mucha tierra; y brotó pronto, porque no tenía profundidad de tierra; pero salido el sol, se quemó; y porque no tenía raíz, se secó. Y parte cayó entre espinos; y los espinos crecieron, y la ahogaron. Pero parte cayó en buena tierra, y dio fruto, cuál a ciento, cuál a sesenta, y cuál a treinta por uno."

En esta época Vincent ya no era tan meapilas como en aquellos años en que los que quería ser pastor protestante. La parábola no tenía para él un sentido religioso. Simbolizaba sus aspiraciones artísticas: si insistía lo suficiente y se sobreponía a los fracasos, a la larga conseguiría ser reconocido como el gran pintor que era.

Por desgracia, uno de sus pintores favoritos, Jean-François Millet ya había pintado un heróico sembrador que Vincent consideraba perfecto. Millet era un pintor realista que representaba a los campesinos utilizando una paleta limitada de tonos pardos, el color de la tierra que trabajaban.

Jean-François Millet, El sembrador (1850), Museum of Fine Arts, Boston

¿Cómo podía Vincent hacer algo similar sin copiar a Millet? Pues expresando el mismo concepto a través de la simbología del color, como le explica a Theo en esta carta. En otras dos cartas que envía a sus amigos artistas John Peter Russell y Emile Bernard, incluye los primeros bocetos de su sembrador. La primera está en inglés y la segunda en francés (era un políglota este Vincent).

Carta de Van Gogh a John Peter Russell, 17 de junio de 1888


Carta de Van Gogh a Emile Bernard, 19 de junio de 1888

El resultado final fue éste de aquí abajo. A Vincent no le gustó nada de nada, lo consideraba un "fracaso" y nunca pasó de la categoría de "estudio". Realmente, si lo comparamos con el sembrador definitivo, tiene poca chicha. La composición es muy tradicional y los colores "apagados" para lo que solía hacer. Hay que decir a su favor que era la primera vez que pintaba sin tener el modelo delante de sus ojos, algo que le costaba un trabajo terrible.

Vincent Van Gogh, Segador a la puesta de sol (1888), Museo Krüller-Müller, Otterlo

Pero no desistió... el 21 de noviembre de ese mismo año le envió una carta a Theo con el boceto de un nuevo sembrador:

Carta de Van Gogh a su hermano Theo, 21 de noviembre de 1888

La composición de esta obra es mucho más moderna, con el sembrador en primer plano, en la esquina inferior izquierda, y un tronco de árbol retorcido que divide el lienzo en diagonal, al modo de las estampas japonesas. El sol que se está poniendo es también el halo del sembrador, el artista santificado. Gauguin, que ya estaba viviendo con él, le había enseñado a pintar usando la imaginación. Buen profesor, ¿no os parece?

Vincent Van Gogh, El sembrador (1888), Museo Van Gogh, Amsterdam

La muerte del cisne (no apto para diabéticos)

2011-12-06T08:58:00.001+01:00

Anna Pavlova en La muerte del cisne

Aviso: Este artículo tiene un alto contenido en azúcar. Su lectura puede ser perjudicial para diabéticos y enemigos de lo cursi.

En 1905, la legendaria bailarina rusa Anna Pavlova le pidió al coreógrafo Mikhail Fokine que crease un solo para ella inspirado en un poema de Lord Tennyson titulado The Dying Swan. Fokine decidió utilizar como música una breve y cursilísima pieza de Camille Saint-Saëns perteneciente a la suite orquestal El carnaval de los animales. El cisne de Saint-Säens es un solo para violonchelo acompañado por dos pianos que pretende reflejar musicalmente el elegante movimiento de un cisne deslizándose grácilmente, con su esponjoso plumaje blanco, sobre la ondulada y cristalina superficie de un lago (puestos a ser cursis, vamos a recrearnos).

Traje diseñado por Léon Bakst para el cisne agonizante de Anna Pavlova, Museum of London

Anna Pavlova con su cisne Jack

La verdad es que la pieza luce más bailada que escuchada. Fokine revolucionó el ballet clásico con sus coreografías dando prioridad a la expresividad sobre la técnica, pero sin llegar a romper del todo con la tradición. De hecho, era tan rompedor que Diaghilev le fichó en 1909 para su compañía, donde pudo soltarse al fin la melena, libre del encorsetamiento del Ballet Imperial de San Petersburgo. Sus mejores coreografías las hizo para Diaghilev: Scheherazade, El pájaro de fuego (del que ya hablamos hace un mes y pico) y Petrushka.

La muerte del cisne es su primera coreografía importante y si la bailarina lo hace bien, puede llegar a parecer realmente un cisne, plumas incluidas (pico no, que afea mucho). Veamos a la primera cisne, Anna Pavlova, que bailó esta pieza cerca de 4.000 veces, en una filmación de 1925.

Vídeo de kaninchenrc

Seguimos con otra de las clásicas, Maya Plisetskaya, bailando La muerte del cisne con la friolera de 61 años. El aleteo de sus brazos es impresionante... sospecho que tiene más articulaciones que el resto de los mortales.

Vídeo de Ilee611838

Y rematamos con una de las mejores bailarinas de la actualidad, Uliana Lopatkina, a la que hemos tenido la suerte de ver en el Liceu hace unos días.

Vídeo de Ewaasia

Os deseo una feliz digestión de tanto merengue... Por cierto, ¿sabiáis que existe un postre de merengue llamado pavlova en honor de la famosa bailarina?

Intercambio de cromos

2011-12-03T10:56:00.001+01:00

Vincent Van Gogh, La casa amarilla (1888), Museo Van Gogh, Amsterdam

En 1888, a Vincent Van Gogh se le ocurrió la genial idea de montar una comunidad de artistas en Arlés. Esto permitiría a los pintores que quisieran participar en ella intercambiar conocimientos e ideas, trabajar en colaboración para enriquecerse mutuamente y vivir con todos los gastos pagados por el sableado hermano de Vincent, Theo Van Gogh, un importante marchante de París que además podía proporcionarles la publicidad que necesitaban para salir del anominato artístico. En papel, sonaba estupendo (sobre todo lo de vivir de gorra) y Paul Gauguin y Émile Bernard se apuntaron sin dudarlo.

Antes del gran encuentro, Vincent les propuso un intercambio de retratos, una costumbre típica de los artistas japoneses a quienes los tres reverenciaban. El problema es que Gauguin y Bernard vivían en la Bretaña y Van Gogh en la Provenza, por lo que posar unos para otros no era factible y además, Bernard tampoco se atrevía a retratar el enorme ego de Gauguin. Al final, acordaron hacer un intercambio de autorretratos, algo bastante menos comprometido. Estos tres autorretratos están hoy en el Museo Van Gogh de Amsterdam.

El autorretrato de Gauguin, titulado Les Miserables, tiene mucho de literario. El pintor se retrata como Jean Valjean, el protagonista de la novela de Victor Hugo, un héroe marginado e incomprendido por la sociedad, que es como Gauguin se sentía en ese momento. El gesto y la mirada reflejan un carácter fuerte y decidido. Según el propio Gauguin, el papel pintado estilo japonés del fondo es el que podría encontrarse en el dormitorio de una joven pura y casta, y simbolizaría su virginidad artística (que no física, porque el señor tenía por aquel entonces cuarenta tacos y cinco hijos a sus espaldas). A la derecha, pegado en la pared, coloca un boceto sobre papel de su amigo Bernard.

Paul Gauguin, Retrato Les Miserables (1888), Museo Van Gogh, Amsterdam

Émile Bernard, que en esa época trabajaba con Gauguin en la Provenza, utiliza el mismo esquema: se autorretrata a la izquierda y coloca un retrato abocetado de Gauguin en la pared del fondo. El estilo de Bernard es muy característico, con esas líneas negras intensas delimitando los contornos, mucho más moderno y vanguardista que el de sus compañeros. Gauguin, que era bastante copión, se apropió de esta forma de pintar de Bernard y pasó injustamente a la posteridad como su "inventor".

Émile Bernard, Autorretrato con retrato de Gauguin (1888), Museo Van Gogh, Amsterdam

El autorretrato de Van Gogh es también literario, aunque esto lo sabemos únicamente por sus cartas. Según sus propias palabras, se pinta como un monje budista, inspirado en una novela que había leído hacía poco, Madame Chrysanthème de Pierre Loti (que inspiraría a su vez la ópera Madame Butterfly de Puccini). El rostro no transmite emoción ninguna, es una cara de póquer total, pero no importa porque logra darle la intensidad necesaria a través del color, algo típico de su pintura. En este caso, utiliza una combinación de colores bastante audaz, naranjas-marrones y verde claro, que parece que le dio bastantes quebraderos de cabeza.

Vincent Van Gogh, Autorretrato como bonzo (1888), Museo Van Gogh, Amsterdam

¿Y por qué se pinta como monje budista? Pues porque lo que pretendía es que los tres viviesen de forma casi monacal en la casa amarilla que había alquilado en Arlés, llevando una vida ascética dedicada únicamente al arte. Para Vincent, un tipo con serios desórdenes alimenticios, el ayuno no era un problema. Podía vivir durante semanas a base de mendrugos de pan y litros de café. El único lujo que se permitirían serían las excursiones nocturnas a los burdeles de la ciudad, una costumbre muy sana de la que no se podía prescindir bajo ningún concepto.

En cuanto Vincent les propuso este planazo, Bernard se escaqueó y decidió quedarse en la Bretaña, pero Gauguin, presionado por Theo, no tuvo más remedio que ir. La luna de miel artística duró dos meses escasos... En Arlés hacía mal tiempo y estar encerrado día tras día en esa diminuta casa amarilla, compartiendo estudio con un hombre terriblemente desordenado, que olía fatal (Vincent era poco amigo del jabón) y con un carácter que podía pasar en cuestión de segundos del más terrible abatimiento a una excitación extrema, fue demasiado para el pobre Gauguin, que huyó espantado aquel famoso día de diciembre en que Vincent se cortó la oreja...

Para saber más de la vida en común de estos dos artistas, os recomiendo el magnífico libro The Yellow House de Martin Gayford.

Tarareando Rigoletto

2011-11-29T19:07:00.001+01:00

Henri Lehmann, Retrato de Franz Liszt (1839)... Guapete, ¿verdad?

¿Quién no ha salido alguna vez de una ópera o de un concierto tarareando algún fragmento de lo que acaba de oír? A veces canturreamos mentalmente, otras muy bajito y otras sin cortarnos un pelo. Esto es lo que hace el común de los mortales. Pero Franz Liszt, que no era un común mortal, se iba a su casa, se sentaba al piano y componía una nueva pieza inspirado en lo que había escuchado. Muchas de estas composiciones, llamadas paraphrases, reminiscences o fantasies, están basadas en fragmentos de óperas archiconocidos.

Una de las más famosas, Rigoletto Paraphrase, es una transcripción libre del famoso cuarteto Bella figlia dell'amore de la ópera de Verdi. En este fragmento operístico, participan cuatro cantantes: el duque de Mantua (tenor), Gilda (soprano), Rigoletto (barítono) y Maddalena (contralto). La escena se sitúa en una posada, de noche, y cada personaje va un poco a lo suyo. El duque intenta ligarse a la posadera, Maddalena, para llevársela a la cama, mientras ella le sigue el rollo. Rigoletto y su hija Gilda están espiándoles desde fuera, el primero diciendo a su retoña "mira de qué joyita te has enamorado, tontaina" y ella lamentándose y lloriqueando con frases entrecortadas. Veamos una versión de la Ópera de Dresde (2008) cantada por Zeljko Lucic (Rigoletto), Diana Damrau (Gilda), Juan Diego Flórez (el duque) y Christa Mayer (Maddalena).

Vídeo de Onegin65

¿Os habéis quedado con la melodía? Pues bien, Liszt tiene que conseguir hacer el mismo "ruido" con un solo piano que cuatro cantantes y una orquesta juntos. O como mínimo, ser capaz de sugerir la misma emoción e intensidad. ¿Lo logrará? Pues la verdad es que depende mucho del pianista que interprete la pieza, que de fácil tiene poco. En este caso, Daniel Barenboim pasa el examen con nota en un concierto del 2007 en La Scala de Milán (ojo, es sólo un fragmento).

Vídeo de naxosvideos

Para verlo entero, podéis utilizar el siguiente enlace donde encontraréis todo el concierto: Barenboim - Scala. Para ir directamente a esta pieza, avanzad hasta el minuto 1:13:20. Si lo ponéis desde el minuto 52:18, también podréis escuchar otras dos composiciones inspiradas en Aida e Il trovatore respectivamente.

Queridos mininos

2011-11-20T14:38:00.001+01:00

Hace un par de semanas dedicamos un post a nuestros amigos los perros. Así que para no hacer discriminaciones, hoy se lo dedicamos a los gatos, aunque la verdad es que los pobres no siempre salen bien parados en el arte. Mientras que el perro es sinónimo de fidelidad, lealtad y nobleza, el gato es un animal traidor, ladrón y agresivo, o eso quieren hacernos creer muchos artistas... menos mal que ha habido otros que les han llevado la contraria.

El antiguo Egipto estaba lleno de estatuas y amuletos egipcios relacionados con el culto a Bastet, la diosa del hogar y la fertilidad. En casi todas las casas egipcias había un gato al que la familia trataba con gran respeto y deferencia. Pero no penséis que lo hacían por amor a los animales, ¡para nada! Era por puro interés: todos los gatos eran propiedad de Bastet y había que tener contenta a la diosa que proveía de hijos a las familias.

Figura de gato sentado (periodo egipcio tardío, posterior al 600 a.C), Museo Británico, Londres

Durante los siglos XVII y XVIII, se pintaron muchos bodegones que incluían gatos ladrones de cara diabólica. No deja de tener su lógica. En una época en que no había frigoríficos, es de suponer que la peste que desprendían el pescado y la carne debía ser un imán para los gatos del vecindario. Aquí tenéis dos ejemplos, uno del flamenco Paul del Vos y otro del frances Jean Siméon Chardin.

Paul del Vos, Pelea de gatos en una cocina (mediados XVII), Museo del Prado, Madrid

Jean Siméon Chardin, Bodegón con gato y pescado (1728), Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

El pintor inglés Thomas Gainsborough hizo este genial estudio de gatos en el siglo XVIII. Gainsborough no solía pintar gatos, ni tampoco firmaba sus dibujos. Por lo que parece, fue un regalo para la dueña de la casa donde se hospedaba. Y para no pintar gatos, la verdad es que le quedaron francamente bien. Las posturas son muy naturales, sobre todo la de la esquina superior derecha, que plasma a la perfección la elegancia de un minino espatarrado.

Thomas Gainsborough, Seis estudios de gatos (1765-1770), Rijksmuseum, Amsterdam

Uno de mis cuadros favoritos de todos los tiempos es la Riña de gatos de Goya, que forma parte de sus cartones para tapices. En este caso concreto, el tapiz se colocaría encima de una puerta del Palacio del Pardo, por eso tiene un formato tan alargado. El punto de vista que utiliza, con la tapia y las nubes de fondo, provoca una cierta sensación de vértigo e inestabilidad. Pero lo que realmente me fascina es la cara de acojonadillo del gato negro.

Francisco de Goya, Riña de gatos (1786), Museo del Prado, Madrid

A los grabadores japoneses también se les daban bien los gatos, sobre todo a Utagawa Kuniyoshi que según sus alumnos tenía un montón de gatos en casa. Las estampas de gatos de Kuniyoshi están entre las más cotizadas del artista. En esta estampa, se le ocurrió la original idea de entrelazar gatos y peces gato para formar los caracteres de la palabra namazu (pez gato).

Utagawa Kuniyoshi, Gatos formando los caracteres de "pez gato" (hacia 1842)

El pintor nabi Pierre Bonnard era otro enamorado de los gatos. En este cuadrito del museo d'Orsay distorsiona el cuerpo arqueado del minino con intención humorística. La composición descentrada y plana está inspirada en las estampas japonesas, muy de moda en esa época.

Pierre Bonnard, El gato blanco (1894), Museo d'Orsay, París

De esa misma época es uno de los gatos más conocidos de la historia del arte, Le Chat Noir, protagonista del cartel publicitario que hizo Steinlen para un famoso cabaret de Montmartre, propiedad de Rodolphe Salis. Durante un tiempo, Le Chat Noir, fue centro de reunión de pintores, escritores y músicos de París (Debussy y Satie trabajaron allí tocando el piano)

Théophile-Alexandre Steinlen, Le Chat Noir (1896)

El pintor expresionista alemán Franz Marc dedicó gran parte de su breve carrera artística a pintar animales (con muy buen criterio, consideraba que eran más bellos y puros que el ser humano). Estos tres gatos, pintados con colores arbitrarios, son típicos de su última etapa, en la que se iba aproximando a la abstracción. El chico prometía como pintor pero desgraciadamente falleció en la batalla de Verdún.

Franz Marc, Tres gatos (1913), Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Dusseldorf

La representación del gato que hace Picasso en este cuadro no puede ser más negativa. La obra se sitúa en la misma línea que El Guernica (1937), salvando las distancias. La imagen terrorífica de este gato cazando y destripando un pájaro indefenso, pretende ser una alegoría de la guerra civil, que había concluido el mes anterior.

Pablo Picasso, Gato capturando un pájaro (1939), Museo Picasso, París

El Gato y pájaro de Paul Klee es una obra mucho más amable. La pintura de Klee tiene siempre un cierto toque infantil, ya que para él los niños tenían una visión menos contaminada de la realidad. Aquí vemos la cabeza de un gato que tiene un pájaro "entre ceja y ceja". Mediante este recurso nos permite ser espectadores de las fantasías del animal.

Paul Klee, Gato y pájaro (1928), MOMA, Nueva York

Y para rematar, unos divertidos gatos hechos con escabeles, obra del genial ilustrador Saul Steinberg del que hablaremos próximamente.

Saul Steinberg, Stool Cats

Los cantos de Ossian, una gran falsificación

2011-11-16T16:18:00.001+01:00

François Gérard, Ossian despertando a los espíritus a orillas del Lora (después de 1801), Kunsthalle, Hamburgo

En el año 1761, el escritor escocés James MacPherson publicó uno de los grandes bestsellers (y una de las mejores falsificaciones) de todos los tiempos: la traducción al inglés de los famosos cantos de Ossian. Según la mitología celta, Ossian era un bardo y guerrero irlandés que había escrito un poema épico sobre las aventuras de su padre, el rey Fingal. MacPherson se atribuía la hazaña de haber encontrado estos legendarios poemas en Escocia, cuando en realidad había hecho un refrito con unos pocos poemas antiguos y un mucho de cosecha propia.

George Romney, Retrato de James MacPherson (1779-1780), National Portrait Gallery, Londres

En pleno inicio del romanticismo, este falso "descubrimiento" supuso un auténtico bombazo. Los románticos estaban deseando dar puerta a la tradición grecolatina y reivindicar sus raíces nacionalistas. ¿Qué mejor forma de hacerlo que con un nuevo Homero celta? Aunque algunos estudiosos de la época ya advirtieron que los poemas de MacPherson eran más falsos que un duro de madera, nadie les hizo caso. Los cantos de Ossian se tradujeron a diferentes idiomas y Europa se lanzó a la ossianmanía. Todo intelectual que se preciase debía declararse fan incondicional de Ossian.

Uno de estos fans fue el famoso pintor Jean Auguste Dominique Ingres que en 1813 pintó un enorme lienzo titulado El sueño de Ossian, en el que representaba al bardo dormido (abajo) soñando con todos los personajes de su saga (arriba).

Jean Auguste Dominique Ingres, El sueño de Ossian (1813), Musée Ingres, Montauban

Ingres no fue el único en morder el anzuelo. Napoleón, Walter Scott y Goethe estaban locamente enamorados de la poesía de Ossian/MacPherson. De hecho, en la primera gran novela de Goethe, Las desventuras del joven Werther (1774), el protagonista dedica su tiempo libre a traducir estos poemas al alemán para leerselos después a su amada Charlotte. Varias páginas de la novela son traducciones de los poemas de MacPherson.

Primera edición de Las desventuras del joven Werther (1774)

Más de un siglo después, el compositor francés Jules Massenet dedicó una de las mejores arias de su ópera Werther (1892) a un falso canto de Ossian. En una de las escenas cumbre de la ópera, Werther le recita a Charlotte uno de los poemas que ha traducido, que sigue fielmente el texto de Goethe, basado a su vez en el de MacPherson. Aquí lo tenéis interpretado por el tenor alemán Jonas Kauffman (letra y traducción abajo). La mezcla de sentimientos y naturaleza es típica del romanticismo.

Vídeo de medicitv

Pourquoi me réveiller
¿Por qué me despiertas
ô souffle du printemps?
oh, viento de primavera?
Pourquoi me réveiller?
¿Por qué me despiertas?
Sur mon front je sens tes caresses,
Sobre mi frente, siento tus caricias
Et pourtant bien proche est le temps
¡Pero pronto llegará el tiempo
Des orages et des tristesses!
de las tormentas y las tristezas!
Pourquoi me réveiller,
¿Por qué me despiertas
ô souffle du printemps?
oh, viento de primavera?
Demain dans le vallon viendra le voyageur
Mañana vendrá el viajero al valle
Se souvenant de ma gloire première
Recordará mi antigua gloria
Et ses yeux vainement chercheront ma splendeur,
Y sus ojos buscarán en vano mi esplendor
Ils ne trouveront plus que deuil et que misère!
¡Pero no encontrarán más que luto y miseria!
Hélas! Pourquoi me réveiller
¡Ay! ¿Por qué me despiertas
ô souffle du printemps!
oh, viento de primavera?

Taparrabos ecológicos

2011-11-15T18:47:00.001+01:00

En lo tocante al arte profano, los artistas no solían tener muchos remilgos a la hora de mostrar las vergüenzas de dioses y diosas. Al fin y al cabo, ya se sabe que los paganos de la antigüedad estaban muy sueltos. Sin embargo, representar a personajes sagrados en pelotas no era para nada recomendable, a no ser que al pintor no le importase asarse eternamente en las llamas del infierno y ya de paso dar explicaciones a la Santa Inquisición (que era casi peor).

Pero había casos en los que los protagonistas bíblicos de los cuadros tenían que estar desnudos sí o sí y había que echar mano del ingenio para taparles discretamente sus partes pudendas. El caso más típico es el de Adán y Eva. Antes de comerse la manzana, Adán y Eva vivían felices y contentos en porretas como buenos naturistas, sin necesidad ninguna de taparse (lo de la hoja de parra es postmanzana). ¿Cómo solucionar el problema?

Algunos lo conseguían colocando a los personajes sentados e improvisando un discreto cruce de piernas. Pero lo más habitual era acudir a la vegetación. Aunque sólo haya una ramita con hojas o una florecilla en todo el cuadro, Adán y Eva siempre estarán estratégicamente colocados detrás de ella, como quien no quiere la cosa. Por muy bueno que sea el artista, debemos reconocer que el recurso queda siempre algo forzado...

Alberto Durero, Adán y Eva (1507), Museo del Prado, Madrid

Hugo van der Goes, Adán y Eva (1470), Kunsthistorisches Museum, Viena


Jacopo Tintoretto, Adán y Eva (h.1550), Galleria dell'Accademia, Venecia


Jan Gossaert, Adán y Eva (1507-1508), Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Con los personajes profanos ya hemos dicho que no habia ese problema. Lo de taparles las partes nobles era totalmente opcional. Había artistas que preferían no dejar nada a la imaginación, como es el caso de este fresco de Giulio Romano en el Palazzo de Te de Mantua, que según el título, políticamente correcto, representa a Júpiter "seduciendo" a Olimpia.

Giulio Romano, Júpiter seduciendo a Olimpia (1526-1534), Palazzo de Te, Mantua

Pero también había artistas pudorosos que preferían idear originales taparrabos, como podemos ver en esta representación de Neptuno de Jan Gossaert. Como dios del mar, lo lógico es que se tape con una caracola ¿no? (a su compañera Anfítrite no le hace falta porque va bien depilada). Fijaos además que Neptuno ha tenido el detalle de pedirle a su estilista que le haga un peinado a juego con su escaso vestuario: unos elegantes rizos en forma de caracola.

Jan Gossaert, Neptuno y Anfítrite (1516), Gemäldgalerie, Berlín

Queridos chuchos

2011-11-08T18:30:00.001+01:00

Nuestros amigos los perros han estado presentes siempre en el arte como compañeros fieles de sus dueños. Sin embargo, hasta finales del XIX, no se les consideró lo bastante importantes como para convertirles en protagonistas absolutos de una obra. ¿Qué os parece si vemos algunos ejemplos?

Empezamos el recorrido en la antigua Roma. En la entrada de algunas casas, se colocaban mosaicos con la imagen de un perro y la inscripción cave canem ("cuidado con el perro"). Con el paso de los siglos, estas advertencias se han convertido en obras de arte que ahora admiramos en los museos. Quién sabe, quizás de aquí a quinientos años nuestros descendientes contemplarán con embeleso nuestras actuales señales de tráfico.

Mosaico romano procedente de Pompeya (siglo I a.C.), Museo Arqueológico de Nápoles

Aquí tenemos un cuadro, situado a medio camino entre el bodegón y la pintura de género, realizado por un pintor barroco holandés llamado Gerrit Dou. Está pintado con tanto detalle que casi le podemos contar los pelos del lomo. Este tipo de pintura se desarrolló en los Países Bajos gracias al auge de la burguesía, que encargaba cuadros de pequeño formato y temas sencillos para decorar sus hogares.

Gerrit Dou, Perro durmiendo junto a un jarrón de terracota (1650), Museum of Fine Arts, Boston

A principios del siglo XIX, Théodore Géricault, uno de mis pintores favoritos, hizo este pequeño estudio de la cabeza de un bulldog que actualmente se conserva en el Louvre (supongo que en los sótanos). El pobre perro le quedó (o era) un pelín bizco, pero a Géricault se lo perdono todo.

Théodore Géricault, Cabeza de bulldog (1817-1819), Museo del Louvre, París

Una de las pinturas negras más inquietantes de Goya está protagonizada por un perro. Los estudiosos no han conseguido nunca ponerse de acuerdo sobre su significado, ya que es una composición excesivamente moderna e inusual para la época, incluso para un pintor tan original como Goya. Unos dicen que lo dejó incabado, otros que representa la angustia del hombre ante la muerte... ¡Qué más da! No nos hacen falta explicaciones para disfrutarlo. ¿Os habéis fijado en la expresión del perro?

Francisco de Goya, Perro semihundido (1820-1823), Museo del Prado, Madrid

Algunos años más tarde, el pintor impresionista Édouard Manet pintaría este delicado retrato de un king charles spaniel, raza distinguida donde las haya, que supo posar haciendo gala de su extensísimo pedigree y de su pelotita blanca y negra.

Édouard Manet, King Charles Spaniel (h.1866), National Gallery of Art, Washington

Sería imperdonable olvidar a uno de los perros más famosos de la publicidad, un chucho melómano que se convirtió en la imagen de la discográfica His Master's Voice (La voz de su amo). Se llamaba Nipper y por lo que parece le fascinaba el sonido que salía del fonógrafo. Y así es como le inmortalizó su dueño, el pintor inglés Francis Barraud, que más adelante vendió la imagen de Nipper a la discográfica.

Francis Barraud, Nipper (1898)

Entre mis cuadros favoritos de perros está sin duda Dinamismo de un perro con correa, del pintor futurista Giacomo Balla. Uno de los principales objetivos de los futuristas era representar el movimiento del mundo moderno. Balla logró plasmar a la perfección la rapidez de los pasitos del perro y el movimiento oscilante de la correa.

Giacomo Balla, Dinamismo de un perro con correa (1912), Galería Albright-Knox, Búfalo

Otro perro famoso fue Archie, el daschund de Andy Warhol. El pintor lo llevaba consigo en brazos a todas partes y cuando algún periodista le preguntaba algo que no quería contestar, Warhol le pasaba la palabra a su querido Archie que evidentemente tampoco contestaba.

Andy Warhol, Archie (1976) y una foto del artista con Archie en 1973

Y rematamos con una obra del magnífico pintor inglés Lucian Freud. En este caso, el protagonista también tiene nombre: Eli, el lebrel de su colaborador David Dawson. Probablemente, de todos los artistas contemporáneos, Freud ha sido el que mejor ha representado a los perros (y a los humanos).


Lucian Freud, Eli (2002), colección particular

De hecho, me gusta tanto que no me resisto a poner otro...

Lucian Freud, Retrato doble (1985-1986), colección particular

La primera miss universo

2011-11-08T10:00:00.000+01:00

Auguste Renoir, El juicio de Paris, 1908-1910, Museo de Hiroshima

El juicio de Paris fue el primer concurso de belleza de la historia.

Todo empezó con el enfado de la diosa de la discordia, a la que no invitaron a una boda que se celebraba en el Olimpo. Muy molesta, decidió aguarles la fiesta dejando caer en medio del banquete una manzana de oro para la invitada más guapa. En seguida estuvo claro quienes serían las tres finalistas: Minerva, Juno y Venus. Júpiter prefirió no mojarse y dijo que no podía hacer de juez porque estaba casado con una de las participantes... y con lo celosa que era Juno, mejor no jugársela. Así que le pasó el marrón a otro.

Ordenó a su recadero particular, Mercurio, que llevase a las tres diosas al monte Ida, donde pastoreaba el joven Paris, hijo del rey de Troya. En esa época era habitual que los hijos de los reyes empezasen trabajando como pastores (¿para saber dirigir rebaños de borregos cuando subiesen al trono, quizás?) El caso es que al pobre chico le tocaba escoger. Tras examinar atentamente a las tres diosas, que intentaron tentarle con suculentas ofertas, decidió dejarse comprar por Venus, que le prometió a cambio el amor de la mortal más hermosa del mundo. Esta no fue otra que la famosa Elena de Troya; por eso se dice que el juicio de Paris es el origen de la guerra de Troya.

Luca Giordano, El juicio de Paris, 1681-1683, Museo Hermitage, San Petersburgo

La escena se ha representado miles de veces en la pintura. Uno de los ejemplos más famosos es este cuadro de Rubens que podéis ver aquí abajo (haced clic en la imagen para agrandarla). A la izquierda, aparecen Paris y Mercurio, con la manzana en la mano. En vez de ponerle a Mercurio el típico casco con alas, Rubens le ha encasquetado un sombrerito más a la moda. Las tres concursantes, más sanotas que las que se presentan a los concursos de hoy en día, están en pelota picada, para que Paris pueda juzgar bien todos sus encantos. Sin embargo, las tres tienen a su lado algo que nos permite distinguirlas: Minerva ha dejado en el suelo su indumentaria habitual, el yelmo y la coraza; Venus, para la que posó la esposa de Rubens, tiene a su hijo Cupido agarrado a la pierna; y Juno está acompañada de su animal favorito, el pavo real.

Pedro Pablo Rubens, El juicio de Paris, h. 1638, Museo del Prado, Madrid

Y ahora vamos a ponerle banda sonora a este cuadro. Se trata del aria "Au mont Ida" de la opereta La belle Hélène, compuesta por Jacques Offenbach, una divertida parodia del inicio de la guerra de Troya. En esta animada cancioncilla, Paris le cuenta al sacerdote Calchas toda la historia. Aquí la tenéis cantada por Roberto Alagna:

Au mont Ida trois déesses
En el Monte Ida, tres diosas
se querellaient dans un bois:
discutían en un bosque:
«Quelle est, disaient ces princesses,
«¿Quién es, decían estas princesas,
la plus belle de nous trois?»
la más bella de las tres?»

Évohé! que ces déesses,
¡Ay! Estas diosas,
pour enjôler les garçons,
para engatusar a los muchachos,
Évohé! Que ces déesses,
¡Ay! Estas diosas,
ont de drôles de façons
tienen ideas muy raras

Dans ce bois passe un jeune homme,
Por el bosque pasaba un joven
un jeune homme frais et beau (c'est moi)
un joven fresco y guapo (soy yo)
Sa main tenait une pomme…
En su mano sostenía una manzana
vous voyez bien le tableau.
podéis imaginar la escena.
«Ah, hola, eh! le beau jeune homme,
«¡Ah, hola, eh! Bello muchacho
beau jeune home, arrêtez-vous,
bello muchacho, detente
et veuillez donner la pomme
y dígnate a darle la manzana
a la plus belle d'entre nous»
a la más bella de las tres»

Évohé! Que ces déesses, etc.

L’une dit: «j’ai ma réserve,
Una dijo: «yo cuento con mi discrección,
ma pudeur, ma chasteté.
mi pudor, mi castidad.
Donne le prix à Minerve:
Dale el premio a Minerva
Minerve l’a mérité»
Minerva se lo merece»

Évohé! Que ces déesses, etc.

L’autre dit : «J’ai ma naissance,
La otra dice: «Yo tengo mi estirpe
mon orgueil et mon paon.
mi orgullo y mi pavo real.
Je dois l’emporter, je pense:
Creo que debería de ganar:
donne la pomme à Junon!»
¡dale la manzana a Juno!»

Évohé! Que ces déesses, etc.

La troisième, ah! La troisième…
La tercera, ¡ah!, la tercera
La troisième ne dit rien.
La tercera no dijo nada
Elle eut le prix tout de même
Ella se llevó el premio
Calchas, vous m’entendez bien!
Ya me entiendes, Calchas

Évohé ! Que ces déesses,

Parejas bien avenidas

2011-11-07T09:00:00.000+01:00

Seguimos con Lucas Cranach el viejo (1472-1553), que tiene el poco digno apodo de "el viejo" porque tuvo un hijo que también se dedicó al noble arte de la pintura: Lucas Cranach el joven (1515-1586). Como suele decirse, más sabe el diablo por viejo que por diablo, y es que en este caso, como en muchos otros, el viejo le da mil vueltas al joven, que se limitó a copiar el estilo de su padre.

Pero bueno, a lo que íbamos, Lucas Cranach el viejo pintó una serie de cuadritos, de entre 30 y 40 centímetros de alto, en los que ridiculizaba sin escrúpulos a diferentes tipos de parejas que él consideraba "antinaturales", más unidas por la bolsa que por otra cosa. En los tres cuadros, el guapo se aprovecha sin disimulo de la pasta del feo, que con tal de poder echar una cana al aire se deja robar feliz de la vida. Como decíamos el otro día, al hablar de los orígenes del botox, el mundo no ha cambiado tanto.

Lucas Cranach el viejo, Campesino y prostituta (1525-1530), Hessisches Landesmuseum, Darmstadt

Lucas Cranach el viejo, Hombre joven y anciana (1520-1522), Museo Szépmûvészeti, Budapest

Lucas Cranach el viejo, Mujer joven y anciano (hacia 1530), Museo Kunstpalast, Düsseldorf

Los orígenes del botox

2011-11-05T12:48:00.000+01:00

Lucas Cranach el viejo, Der Jungbrunnen (La fuente de la juventud), 1546, Staatliche Museen, Berlín

En este cuadro de Lucas Cranah el viejo (1472-1553) podemos ver los maravillosos efectos de la fuente de la juventud (haced clic en la imagen para verla más grande). Esta legendaria fuente quitaba años a cualquiera que se diese un chapuzón en ella. Y eso es lo que hacen los personajes del cuadro: se acercan renqueantes a la fuente por la izquierda, se pegan el remojón en el centro y disfrutan de su recién reestrenada lozanía a la derecha. Cranach utiliza esta composición para que nos resulte fácil "leer" el cuadro, ya que nuestra cabeza, acostumbrada a leer textos, tiende siempre a mirar de izquierda a derecha (ignoro si esta regla será también válida para los analfabetos).

El paisaje está relacionado con el tema del cuadro. A la izquierda, unas rocas áridas (la vejez) y a la derecha, una pradera verde con árboles (la juventud). Como buenos alemanes, todo está perfectamente organizado: un médico de rojo, a la izquierda de la fuente, examina a la gente antes de que se metan en el agua; a la derecha, un señor con bigote, les indica dónde se encuentra la tienda para que vuelvan a vestirse.

Traslado de las abuelitas a la fuente

Las chicas se visten y una pareja retoza entre los arbustos

Y lo más curioso... ¿Os habéis fijado que sólo se bañan las mujeres en la fuente? ¿Habría otra fuente para hombres? ¿O es que en los hombres la arruga es bella y en las mujeres no? Realmente, seguimos igual que en el siglo XVI.

El banquete de chicas rejóvenes y señores maduritos

El final de Romeo y Julieta

2011-10-31T13:19:00.000+01:00

Théodore Chasseriau, Romeo y Julieta, segunda mitad XIX, Museo del Louvre, París

Todos conocemos el final de Romeo y Julieta, la inmortal tragedia de Shakespeare que ha servido de inspiración a muchos artistas y músicos. Sin embargo, los lenguajes en que estos artistas cuentan la historia son en ocasiones muy diferentes al original. ¿Cómo se puede adaptar una escena tan famosa al lenguaje de la pintura, la ópera o el ballet sin traicionar el original? ¿Cómo lograr que siga siendo igual de sublime?

Empecemos por admitir que el original de Shakespeare tiene sus gazapillos. Como lectores, hay que tener bastantes tragaderas para creer que un brebaje medieval pueda dejarte las constantes vitales a cero sin matarte... porque es de suponer que Julieta no respiraba ¿verdad? Y si respiraba, hay que hacer otro acto de fe para creer que su familia fue tan estúpida como para no comprobarlo antes de enterrarla. El caso es que Romeo se la encuentra aparentemente muerta en la cripta, se bebe un veneno y se muere, Julieta se despierta, se desespera, se clava una daga y se muere también.

La escena del balcón o la despedida en la habitación de Julieta se han representado miles de veces en la pintura. Pero, curiosamente, el final es un tema mucho menos explotado. Podemos encontrarlo sobre todo en la obra de algunos pintores románticos, como Delacroix o Chasseriau. En el romanticismo, sentían una fascinación morbosa por el tema del amor imposible que sólo puede realizarse plenamente después de la muerte. (Por eso las óperas románticas casi siempre acaban mal.)

Eugène Delacroix, La tumba de los Capuleto, h.1850, Museo Delacroix, París

Tanto la ópera como el ballet tienen el valor añadido de la música, que ayuda a aumentar la tensión dramática. Sin embargo, ha de reducirse el texto: un poco en el caso de la ópera y del todo en el caso del ballet.

En la ópera de Charles Gounod, fue necesario cambiar un poco el final ya que quedaría un poco deslucido que los protagonistas agonizasen por separado cuando podrían morir juntos cantando un bonito dúo. Por tanto, el veneno del Romeo operístico es de efecto lento. Otra pequeña diferencia es que los intérpretes no suelen ser precisamente adolescentes (los cantantes necesitan su tiempo para formarse). Aquí tenéis la escena completa intérpretada por Roberto Alagna y Leontina Vaduva, que se mueren estupendamente (Covent Garden, 1994).

Vídeo de muezzab

Y este es el final del ballet Romeo y Julieta de Sergei Prokofiev, compuesto en 1935, con la impactante coreografía de Kenneth MacMillan de 1965. Aquí se pierde completamente el texto, pero la música y la expresividad de los movimientos es lo suficientemente intensa como para convertir este ballet en otra obra de arte. En este caso, los bailarines son Alessandra Ferri y Ángel Corella (Teatro alla Scala, 2000).

Vídeo de svjeta

¿Con cuál os quedáis?

Singing in the rain

2011-10-27T17:25:00.001+02:00

O cómo pintar días lluviosos...

Por lo que parece, el primer viaje en tren de William Turner fue toda una experiencia para el artista. Tanto que, a pesar de que los pintores románticos odiaban representar cualquier cosa relacionada con el progreso, no pudo resistirse a pintar un tren a vapor cruzando un puente sobre el Támesis. Si el pobre hombre hubiese subido en AVE, no habría hecho otra cosa que pintar trenes toda su vida.
Clasificación: "Lluvia intensa"

Turner, Lluvia, vapor y velocidad, 1844, The National Gallery, Londres

Este pintor impresionista francés, Gustave Caillebotte, pinta a una pareja de parisinos elegantes paseando tranquilamente por la calle... Vista la calma de todos los personajes, no debía llover mucho.
Clasificación: "Orbayo o calabobos"

Caillebotte, París en un día de lluvia, 1877, The Art Institute of Chicago

Esta obra del pintor japonés Hiroshigue representa a unos pobres orientales a los que les ha pillado un chaparrón en medio de un puente. Lo mejor que te puede pasar cuando llueve, sin duda. Esta estampa japonesa le gustaba tanto a Van Gogh, que hizo una copia a su estilo titulada Japonaiserie: Puente bajo la lluvia.
Clasificación: "Putadilla"


Hiroshige, Lluvia de tarde sobre Atake y el Gran Puente, 1856, Museo de Arte Fuji, Tokyo

Camille Pissarro nos muestra una vista de una calle de París desde el interior de su casa, la mejor forma de ver llover. El mayor reto de un pintor impresionista era crear obras diferentes a partir de un mismo paisaje, variando solamente las condiciones atmosféricas.
Clasificación: "Míralos, pobrecitos, cómo se mojan" (con tono condescendiente)

Pissarro, Rue Saint-Honoré por la tarde. Efecto de lluvia, 1897,
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Inspirado por la lluvia, Renoir pintó esta abigarrada escena de chicas de negro con paraguas negros... ¿una convención de viudas, quizás? ¿Dónde se cree que va esa niñita tan cursi con el aro? La verdad es que tiene su mérito saber meter tanta gente en un marco tan estrecho. Utiliza el siempre efectivo recurso de colocar un personaje mirando al espectador (la chica de la izquierda), para conseguir meternos en la escena. Aunque la verdad es que aquí ya no cabe ni un alfiler...
Clasificación: "Tarde de lluvia en las Ramblas"

Renoir, Los paraguas, 1883, The National Gallery, Londres

En boca cerrada, no entran moscas

2011-10-25T16:34:00.000+02:00

Édouard Manet, Le déjeuner sur l'herbe, 1863, Museo d'Orsay, París

"Una mujer vulgar del demi-monde tan desnuda como es posible estarlo, aparece sentada sin el menor pudor entre dos lechuguinos completamente vestidos, que parecen escolares en un día de fiesta haciendo una travesura y fingiéndose mayores. Busco en vano algún significado a este acertijo indecoroso."

Louis Étienne, Le Jury et les exposants, 1863

Como diría una tía muy sabia que tengo: "Monsieur Étienne... la langue au cul" (*)

(*) Versión francesa y elegante de nuestro famoso "el que tiene boca, se equivoca"

La pájara de Tamara Karsavina

2011-10-22T10:11:00.000+02:00

Ilustración de Ivan Bilibin para El pájaro de fuego, 1899

El ballet L'oiseau de feu (El pájaro de fuego) fue la primera colaboración del empresario ruso Sergei Diaghilev con su compositor fetiche, Igor Stravinsky. La suya fue una relación de amor y odio, pero muy productiva. Stravinsky decía en sus memorias que trabajar con Diaghilev era "aterrador y tranquilizador a la vez". Las broncas podían llegar a ser monumentales, pero el resultado siempre acababa siendo excepcional.

Stravinsky compuso esta partitura para un pastiche de cuentos rusos que se les había ocurrido a Diaghilev y sus amigos. Algunos de ellos ya habían hecho ilustraciones para cuentos rusos (como la de Ivan Bilibin que tenéis justo arriba). En este cuento, un príncipe atrapa a una especie de pájaro-mujer-mágica (el pájaro de fuego) y ésta le promete ayudarle si vuelve a dejarla en libertad. Lo curioso es que al final el chico no se queda con la pájara, que es la más mona y la que mejor baila, sino que se encapricha de una princesa bastante cursi y es la pájara quien le ayuda a vencer al malvado mago que la tiene prisionera. Este es a grandes rasgos el argumento del ballet.

Anna Pavlova en La muerte del cisne

El coreógrafo encargado del ballet era Mijail Fokine y habían decidido darle el papel protagonista (el de pájara) a la famosísima bailarina Anna Pavlova. Sin embargo, la Pavolva estaba muy chapada a la antigua y la música de Stravinsky le parecía imposible de bailar. Se negó en rotundo a pajarear (ella sólo hacía de cisne, no de pájaro de fuego) y abandonó la compañia. Esa fue la gran oportunidad para la adorable Tamara Karsavina, que pasó a convertirse en la bailarina principal de los ballets rusos de Diaghilev. A la Karsavina no le asustaban las novedades, se apuntaba a un "fuego" (chiste malo).

Tamara Karsavina en El pájaro de fuego

De los decorados y vestuario se encargaron dos artistas rusos, Alexandr Golovin y Léon Bakst. A Léon Bakst, los críticos le consideraban "una mente enferma" (un salido, vamos) porque los vestuarios que diseñaba dejaban ver mucha carnaza. En realidad, Bakst era un artista típico del Art Nouveau, no mucho más salido de lo que podían estarlo Klimt, Mucha o Schiele.

Figurín para El pájaro de fuego de Léon Bakst, 1910

Tamara Karsavina y Adolphe Bolm en El pájaro de fuego

El pájaro de fuego se estrenó el 25 de junio de 1910 en el Teatro de la Ópera de París. Era la segunda temporada de la compañía en París. El éxito fue arrollador.

Este es un enlace a una representación completa del ballet interpretada por el Royal Ballet. Los decorados no son los originales sino los que encargó Diaghilev a otra famosa artista rusa, Natalia Goncharova, para una reposición en 1926. La música de Stravinsky evoca magistralmente la atmósfera mágica del cuento (y es que hoy ya no nos suena tan moderna...):

El pájaro de fuego - Royal Ballet

Para saber más sobre Los ballets rusos de Diaghilev, apúntate a nuestro Té de las seis, el sábado 29 de octubre o el martes 1 de noviembre. Más información.

La agonía más perfecta

2011-10-19T00:27:00.000+02:00

Aquí tenéis una de mis muertes operísticas favoritas de todos los tiempos... La muerte de Edgardo en Lucia di Lammermoor, ópera que compuso Gaetano Donizetti en 1835.

Por aquel entonces, las reinas de los escenarios eran las sopranos. Los pobres tenores tenían bastante menos que decir. Sin embargo, en este caso, Donizetti se saltó las normas habituales y le dio el número final de la ópera al tenor, en vez de a la soprano. Probablemente influyó el hecho de que el papel iba a cantarlo uno de los mejores tenores de todos los tiempos, el famoso Gilbert Duprez (al que se le atribuye la invención del "do de pecho").

¡Y vaya final que le dio al chico!

La escena, como buena ópera romántica, tiene lugar de noche y en un cementerio -esto les hacía delirar a los decimonónicos-. Edgardo acaba de enterarse de que su amada Lucia ha muerto y se suicida para reunirse con ella en el más allá. Este fragmento es la cabaletta (segunda parte del aria), que se repetía siempre dos veces, la segunda más adornada o con alguna variación. En este caso, Donizetti aprovecha esta estructura para introducir un magnífico efecto teatral. Entre la primera y la segunda repetición, Edgardo se apuñala, de forma que la segunda parte la canta con frases entrecortadas, mientras agoniza, consiguiendo así la variación deseada. Como es bien sabido, los protagonistas de las óperas, cuando mejor cantan es cuando se están muriendo (véase el caso).

Diseño de escena para el acto III de Lucia di Lammermoor.

Esta es la muerte de Edgardo interpretada por el tenor polaco Piotr Beczala (al que tenemos estos días en el Liceu cantando Fausto), en una producción del Metropolitan de Nueva York del año 2008. La que aparece vestida de novia cadáver es el supuesto espíritu de Lucia, una licencia poética de la directora de escena, Mary Zimmerman, para darle más morbo gótico al asunto.

Vídeo de linotai

Y esta es la letra con su traducción (en la repetición canta lo mismo pero un poco más ahogado)

Tu che a Dio spiegasti l'ali,
Tú que hacia Dios desplegaste las alas
O bell'alma innamorata,
¡Oh! bella alma enamorada,
Ti rivolgi a me placata.
Gírate hacia mí apaciguada.
Teco ascenda il tuo fedel.
Para que ascienda contigo el que te ha sido fiel.
Ah se l'ira dei mortali
¡Ah! Si la ira de los mortales
Fece a noi sì cruda guerra,
nos causó una guerra tan cruel,
Se divisi fummo in terra,
Si nos separaron en la tierra,
Ne congiunga il Nume in ciel.
Que Dios nos una en el cielo
O bell'alma innamorata,
¡Oh! bella alma enamorada,
Ne congiunga il Nume in Ciel
Que Dios nos una en el cielo

Caos en el teatro

2011-10-17T17:47:00.001+02:00

El estreno del ballet La consagración de la primavera fue uno de los hitos del arte contemporáneo. A todos nos hubiese encantado estar en el Teatro de los Campos Elíseos de París ese 29 de mayo de 1913. Ese día se rompieron muchos moldes. La salvaje partitura del joven Igor Stravinsky le convirtió de golpe en el padre de la música contemporánea, con tan solo treinta años. El bailarín Vaslav Nijinski escandalizó al público con una coreografía violenta que se alejaba completamente de la elegancia del ballet clásico. Los decorados y el vestuario de Nicholas Roerich eran demasiado primitivos para el gusto del público.

La consagración de la primavera (1913)

Decorados, coreografía y partitura formaban un todo que se adecuaba a la perfección al argumento del ballet: los habitantes de la Rusia pagana invocan la llegada de la primavera, sacrificando para ello a una joven doncella.

Sergei Diaghilev e Igor Stravinsky

El público del teatro estaba dividido, la mitad aplaudía encantada y la otra mitad pataleaba y chillaba indignada. Los bailarines eran incapaces de escuchar a la orquesta y Nijinsky, entre bambalinas, les iba indicando a gritos los movimientos para que no se perdieran. Las discusiones entre admiradores y detractores degeneraron hasta el punto de que tuvo que intervenir la policía. Diaghilev, el famoso empresario que había organizado el ballet, estaba encantado con la que se había armado... había conseguido su objetivo: revolucionar el mundo de la cultura y hacer famosa a su compañía de baile.

Y para muestra, un botón. Aquí tenéis una reconstrucción del famoso ballet realizada por el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, dirigido por Valery Gergiev el año 2008.

Vídeo de thatsdancing13

Si quieres saber más sobre los ballets rusos de Diaghilev, no te pierdas nuestra actividad El té de las seis de este sábado 22 de octubre. Más información aquí.

¿Depilación a la cera o con gillette?

2011-10-14T23:13:00.000+02:00

Juan Sánchez Cotán, Brígida del Río "la barbuda de Peñaranda", 1590, Museo del Prado

Un extraño personaje que se hubiera ganado la vida estupendamente en el circo de Carnivale, de hecho, parece que se sacaba algunos dinerillos exhibiendo su frondosa barba. Su nombre era Brígida del Río, más conocida como "la barbuda de Peñaranda". La inmortalizó Sánchez Cotán en el año 1590, cuando la señora tenía cincuenta años (eso es lo que pone en la inscripción de la parte superior del cuadro). A falta de fotografías para documentar estos extraños prodigios de la naturaleza, buenos eran los pinceles.

Inscripción de la esquina superior izquierda

¿Sería realmente una mujer o un travestido de la época? Recordad que no fue la única... José de Ribera también hizo un sobrecogedor retrato de otra barbuda llamada Magdalena Ventura y que ya comentamos en su día. Mientras que la barbuda de Ribera nos enseña un pecho -en esa época no había silicona-, un marido y un bebé, la recatada Brígida no aporta más pruebas que un sobrio vestido marrón.

Ambroise Vollard pintado por...

2011-10-13T20:45:00.005+02:00

¿Quién es este señor?

Ambroise Vollard (1868-1939) fue el marchante y galerista más famoso del París de principios del XX. Gracias a su magnífico ojo crítico, muchos artistas encontraron un lugar donde exponer y consiguieron hacerse un hueco para siempre en la historia del arte. En su galería, presentó al mundo obras de Cézanne, Renoir, Picasso, los Fauves, Maillol, Gauguin, Matisse, los Nabis, etc. También se dedico a la edición de obra gráfica y libros ilustrados que encargaba a famosos artistas de la época.

¿Quién le retrató?

Muchos de sus amigos artistas. De hecho, Picasso llegó a decir que ni siquiera la mujer más hermosa de París conseguiría que la retratasen más veces que a Vollard.

Paul Cèzanne, Retrato de Ambroise Vollard, 1899, Petit Palais, París.

Aquí le tenemos en un retrato hecho por el maniático de Cèzanne que, según los testimonios de Vollard, le pedía que se comportase "como una manzana". Si el pintor veía que Vollard se adormecía, le subía la silla a una pila de cajas y tablones poco estable para que se mantuviese alerta. Lógicamente, el pobre se cayó al suelo alguna que otra vez. Para que Cèzanne pintase su retrato, Vollard tuvo que posar un total de 115 sesiones de tres horas y media cada una. Después de esta tortura, el artista se marchó a su casa de Aix diciendo que "bueno... la pechera de la camisa no ha quedado del todo mal" y le pidió a Vollard que le dejase sus ropas para seguir trabajando en el cuadro cuando volviese.

Un día Vollard le preguntó porqué había dejado sin pintar esas dos manchas de los nudillos de la mano derecha. Cèzanne le contestó que tendría que reflexionar mucho antes de cubrirlas con un color adecuado. Si se equivocaba, tendría que empezar el cuadro de nuevo. Ese era el carácter de Cèzanne.

Auguste Renoir, Retrato de Ambroise Vollard, 1908, Courtauld Institute, Londres.

Vollard fue uno de los mejores amigos de Renoir. En este retrato, le representa contemplando una figurilla del escultor Aristide Maillol con mirada experta. La obra pertenece al llamado "periodo nacarado" de Renoir, que se inicia en torno a 1885 y que se llama así por el predominio de los tonos dorados y nacarados. En el siguiente cuadro, de 1917, el pobre Vollard no está muy digno para mi gusto, pero supongo que se debía de encontrar guapo para dejarse retratar de esta guisa.

Auguste Renoir, Ambroise Vollard vestido de torero, 1917, colección particular.

Pablo Picasso, Retrato de Ambroise Vollard, 1909-1910, Museo Pushkin, Moscú.

En esta época, Picasso y su amigo Georges Braque se lo estaban pasando muy bien con sus experimentos pictóricos. El cubismo analítico (1909-1912), al que pertenece esta obra, es una de las etapas de Picasso más difíciles de entender y apreciar, pero con un poco de esfuerzo acaba gustando. Básicamente, sólo utilizaban tonos ocres, negros y grises, porque lo que les interesaba era la forma y el volumen, no el color. Buscaban descomponer el modelo en facetas y luego volver a construirlo de forma que pudiésemos verlo desde varias perspectivas diferentes, como si fuese una escultura. En este caso, al pintar el rostro de un color diferente, podemos distinguir sin problemas los rasgos de la cara de Vollard (y su característica calva).

Pierre Bonnard, Retrato de Ambroise Vollard, 1905, Kunsthaus, Zurich.

Y para rematar, aquí le tenemos retratado por Pierre Bonnard, uno de los miembros del grupo de los Nabis. Las obras de estos artistas son siempre de carácter intimista. Sus temas favoritos son los interiores, decorados con papeles pintados, tapicerías y cortinas estampadas, bonitos objetos decorativos... La figura humana suele quedar camuflada entre todos los trastos como un mueble más, sin apenas destacar sobre el resto de elementos de la habitación. ¿Será el mismo gato -longevo sin duda- el que aparece en las dos obras?

Pierre Bonnard, Ambroise Vollard con su gato, 1924, Petit Palais, París.

The one and only... Ute Lemper

2011-10-11T16:00:00.002+02:00

Seguro que muchos ya conocéis a Ute Lemper. Y si alguien dice que "no", le recomiendo ir rápidamente al Spotify, YouTube o similar para escuchar algo de ella. Es realmente única. Si alguna vez tenéis la oportunidad de ir a verla en directo, sacad una entrada. No os arrepentiréis (*).

El caso es que hoy me apetecía poner una canción muy divertida de Mischa Spoliansky titulada, en su versión en inglés, I am a vamp, y que Ute Lemper canta de maravilla. La letra la tenéis justo debajo del vídeo (me he permitido el lujo de traducirla, por si alguien no la entiende).

Y si os animáis, aquí tenéis enlaces a otros temazos cantados por esta artistaza, donde podréis verla en acción, porque además de cantar, baila e interpreta las canciones:

L'accordeoniste y Polichinelle de Edith Piaf (impresionante en las dos)
Amsterdam de Jacques Brel
Meckie Messer (versión original del famoso Mack the Knife), con letra de Bertold Brecht y música de Kurt Weill.
Y a una lista de Spotify con mucho más: Ute Lemper.

(*) Acabo de ver en su web que estará en Madrid los días 8, 9 y 10 de marzo de 2012. Interesting...

Vídeo de jesheekah

I AM A VAMP

My bed belonged to Pompadour,
Mi cama perteneció a la Pompadour,
like Lulu I have bright red hair.
tengo el cabello rojo como Lulu.
I dance as well as Salome,
Bailo tan bien como Salomé
and treat my Baptists just as fair.
y trato a mis Bautistas igual de bien.
I wear Mata Hari’s dress,
Llevo el vestido de Mata Hari,
the ring of Marie Antoinette.
el anillo de Maria Antonieta.
The fairest Helen wore this corset
La bella Elena llevó este corsé
to a gala trojan fete.
a una fiesta de gala en Troya.
I am the poison of the Borgias,
Soy el veneno de los Borgia,
I’m a witch like Joan of Arc.
soy una bruja como Juana de Arco.
I wear the stockings of Dubarry,
Llevo las medias de la Dubarry,
bathe in coffins for a lark.
me baño en ataúdes para divertirme

I am a vamp, I am a vamp,
Soy una vamp, soy una vamp
half woman, half beast!
mitad mujer, mitad bestia
I bite my men and suck them dry.
Muerdo a mis hombres hasta dejarlos secos.
And then I bake them in a pie.
Y luego los cocino en un pastel.
I am a vamp, I am a vamp,
Soy una vamp, soy una vamp
that’s all I can do!
es lo único que sé hacer.
I’m not mild - mannered like you,
No tengo un carácter dulce como tú
and oh no, and oh no!
¡Y oh no, oh no!
My passion takes over and off I go.
Mi pasión se dispara y allá voy.
I should really be kept in a zoo.
Realmente, deberían encerrarme en un zoo.

All that’s wild and weird and crazy
Lo más descabellado, raro y disparatado
I have been known to collect.
lo he coleccionado.
I have Klemperer’s piano
Tengo el piano de Klemperer
and the cap of Bertolt Brecht.
y la gorra de Bertolt Brecht.
I’ve got Mata Hari’s secrets,
Tengo los secretos de Mata Hari,
Wally Simpson’s amethyst.
la amatista de Wally Simpson.
In a frame up on my wall,
En un marco de mi pared,
hangs a Valentino kiss
cuelga un beso de Valentino.
It’s true that some of my collections
Es cierto que algunas de mis colecciones
I have found in other’s trash,
las he encontrado en la basura de otros
Like the Weimar Constitution,
como la Constitución de Weimar,
also Hitler’s first moustach.
y el primer bigote de Hitler.

I am a vamp, I am a vamp, etc.

I have a prince to write my letters,
Tengo un príncipe que escribe mis cartas,
ev’ry servant is a count.
todos mis sirvientes son condes.
At the stables King Alfonso
En los establos, el rey Alfonso
helps me get astride my mount.
me ayuda a subirme a a mi montura.
Thomas Mann gives me a facial
Thomas Mann me limpia el cutis
using Garbo’s beauty creams.
con las cremas de belleza de la Garbo.
I’m sung to sleep by Richard Tauber,
Richard Tauber canta para que me duerma,
the Prince of Wales is in my dreams.
el príncipe de Gales está en mis sueños.
Today Von Sternberg called and offered
Hoy llamó Von Sternberg para ofrecerme
me a stunning leading role:
un increíble papel principal:
Once I’m a star he’ll start to worship me
Cuando me convierta en una estrella, empezará a adorarme
and then I’ll eat him whole.
y luego me lo comeré.

I am a vamp, I am a vamp, etc.

Y de propina, Ich Bin Die Fesche Lola (They Call me Naughty Lola) de Friedrich Hollaender... con un speech introductorio de lo más actual y del que no sale indemne ninguno de los grandes líderes políticos. ¡Esta mujer es muy grande!

Vídeo de ChaosWolrd

Tanti auguri Giuseppino!

2011-10-10T16:12:00.005+02:00

Hoy es el cumpleaños de Giuseppe Verdi, que si hubiese sido más longevo, habría cumplido 198 años. Se me ha ocurrido celebrarlo con una de mis arias favoritas de una de mis óperas favoritas. La ópera es Il trovatore (El trovador) y el aria se titula "D'amor sull'ali rosee" (Sobre las alas rosadas del amor). Ya sé que el título, así a bote pronto, es más cursi que la Barbie princesa, el pequeño pony y unas lelli kelly, pero si tenéis un rato para leer el texto y escuchar la música, comprobaréis que de cursi no tiene nada. Es una escena tirando a tétrica, como muchas de las arias del romanticismo, con continuas alusiones a la muerte, a los cadáveres y las tumbas... algo que les volvía locos.

Imagináos la escena: Zaragoza, 1413, noche cerrada. Leonora, la protagonista, está junto a la prisión del palacio de la Aljafería. En la torre, está encerrado su querido Manrico, el trovador, al que van a ejecutar en breve. De esta forma, el malvado conde de Luna logrará librarse de su rival y quedarse con la chica, de la que también está enamorado. Pero Leonora tiene un plan para salvar al trovador: se entregará al conde a cambio de la libertad de Manrico. Una vez que el conde acepte, ella se tomará un veneno de acción lenta, que le permitirá sacar a Manrico de la prisión y morir antes de que el conde se cobre su parte del trato.

La escena tiene cuatro partes bien diferenciadas: recitativo, aria, miserere y cabaletta. Tenéis la explicación y la letra de toda la escena abajo. El vídeo pertenece a un concierto de este verano, en Berlín. Cantan Anna Netrebko y Jonas Kaufmann, y dirige Marco Armiliato.

Vídeo de primohomme

1 - RECITATIVO: Es un fragmento sin melodía definida que va siempre antes del aria y que explica un poco la situación, para que vayamos entrando en ambiente. En este caso, la música describe el miedo, la pena y angustia que siente la protagonista.

Vanne, lasciami, né timor di me ti prenda.
Vete, déjame, no temas por mí.
Salvarlo io potrò forse.
Quizás yo pueda salvarlo.
Timor di me? Sicura, presta è la mia difesa.
¿Temor por mí? Mi defensa es rápida y segura.
In quest'oscura notte, ravvolta,
Envuelta por esta noche oscura,
presso a te son io, e tu nol sai.
estoy cerca de ti, y tú no lo sabes.
Gemente aura che intorno spiri,
Aire que gimes y soplas alrededor de él
deh, pietosa gli arreca i miei sospiri.
ten piedad y llévale mis suspiros.

2 - ARIA: Es la parte más melódica y romántica de la escena... Las notas tienden a subir al final de cada frase, evocando cómo va ascendiendo el suspiro de Leonora, por el aire, hasta la celda de Manrico. Verdi consigue que casi podamos verlo elevarse y aletear, tal y como dice la letra.

D'amor sull'ali rosee, vanne, sospir dolente,
Sobre las alas rosadas del amor, ve, suspiro doloroso,
del prigioniero misero conforta l'egra mente.
a confortar la tétrica mente del míseo prisionero.
Com'aura di speranza aleggia in quella stanza;
Como un aire de esperanza aletea por esa estancia;
lo desta alle memorie, ai sogni dell'amor.
despiértale los recuerdos de nuestros sueños de amor.
Ma, deh, non dirgli, improvvido, le pene del mio cor!
¡Pero, ay, no le cuentes por descuido las penas de mi corazón!

3 - MISERERE: Después de los merecidos aplausos, empieza la parte más terrorífica e impactante de la escena. En esta composición tan original, Verdi combina el coro lejano de unos monjes pidiendo por las almas de los que están próximos a morir -con las campanas tocando a muerto de fondo-, el canto melancólico de Manrico desde la torre, despidiéndose de la vida, y las frases entrecortadas y angustiadas de Leonora.

MONJES
Miserere d'un'alma già vicina
¡Ten compasión de un alma ya próxima
alla partenza che non ha ritorno!
a esa partida que no tiene retorno!
Miserere di lei, bontà divina,
¡Ten compasión de ella, bondad divina,
preda non sia dell'infernal soggiorno!
que no sea presa de la morada infernal!

LEONORA
Quel suon, quelle preci, solenni, funeste,
¡Ese sonido, esas plegarias solemnes y funestas
empiron quest'aere di cupo terror!
llenan el aire de sombrío terror!
Contende l'ambascia, che tutta m'investe,
La angustia que me asalta le disputa
al labbro il respiro, i palpiti al cor!
la respiración a los labios, los latidos al corazón!

MANRICO
(desde la torre)
Ah, che la morte ognora è tarda nel venir
¡Ay, la muerte tarda siempre en llegar
a chi desia morir! Addio, Leonora!
a quien desea morir! ¡Adiós, Leonora!

LEONORA
Oh ciel!... sento mancarmi!
¡Cielos! ¡Me fallan las fuerzas!

MONJES
Miserere d'un'alma già vicina, ecc.
Ten compasión de un alma ya próxima, etc.

LEONORA
Sull'orrida torre, ah, par che la morte
¡Sobre la horrenda torre, ay, parece que la muerte
con ali di tenebre librando si va!
se va acercando con sus alas tenebrosas!
Ah! forse dischiuse gli fian queste porte
¡Ay, tal vez esas puertas se abrirán
sol quando cadaver già freddo sarà!
sólo cuando ya sea un frío cadáver!

MANRICO
Sconto col sangue mio l'amor che posi in te!
Pago con mi sangre el amor que puse en tí
Non ti scordar di me! Leonora, addio!
¡No te olvides de mí! ¡Adiós Leonora!

LEONORA
Di te, di te, scordarmi di te...
De ti, de ti, olvidarme de ti...

4 - CABALETTA: Es la parte rápida del aria. En ella, Leonora se muestra decidida y enérgica; tiene claro lo que va a hacer: morir por Manrico.

Tu vedrai che amore in terra
Tu verás que en la tierra no hay un amor
mai del mio non fu più forte;
más fuerte que el mío;
vinse il fato in aspra guerra,
venció al destino en la dura guerra
vincerà la stessa morte.
y vencerá a la misma muerte
O col prezzo di mia vita
¡Con el precio de mi vida
la tua vita io salverò,
salvaré tu vida,
o con te per sempre unita
o unida a ti para siempre
nella tomba io scenderò!
bajaré a la tumba!

Adoremos todos a Hércules

2011-10-07T19:17:00.005+02:00

Rubens, El nacimiento de la Vía Láctea (1636-1637), Museo del Prado, Madrid

Para acabar esta interesante serie láctica, con la que nos hemos entretenido estos últimos días, explicaremos el origen de la Vía Láctea... que si se llama "Láctea", por algo será.

Según la mitología clásica, el causante de que estemos todos por aquí, como habitantes de esta galaxia nuestra, no es otro que el famoso Hércules. Como algunos ya sabréis, Hércules era hijo de Júpiter y de una mortal llamada Alcmena. La hermana-esposa de Júpiter, la diosa Juno, era una mujer muy celosa y de temible mal genio. Y con razón, porque su señor marido le ponía los cuernos cada dos por tres. Su trabajo en el Olimpo, consistía en perseguir y atormentar a las amantes de su consorte.

Cuando nació, Hércules era un niño normal y corriente, pero su orgulloso padre quiso que fuese inmortal y que tuviese superpoderes. La mejor forma de conseguirlo era que se alimentase con la leche de Juno, muy rica en proteínas, lípidos y triglicéridos. Estaba claro que Juno no iba a dejarse... Así que el tramposo de Júpiter esperó a que se echase una siestecita y le ordenó a Mercurio que le colocase el bebé al pecho. El niño chupó con tantas ganas que la diosa se despertó sobresaltada y muy enfadada le apartó de un manotazo. De su "divino" pecho, salió disparado un enorme chorro de leche que formó la Vía Láctea. ¿No me digáis que no es mil veces más lógica esta explicación que la patraña del Big Bang?

Tintoretto, El nacimiento de la Vía Láctea (h. 1575), National Gallery, Londres

El cuadro más famoso sobre este tema lo pintó Tintoretto. En él aparecen todos los protagonistas: Juno en el centro de la composición, a la que podemos reconocer por su símbolo, los pavos reales; Júpiter representado por su símbolo, el águila, y su atributo, un manojo de rayos; y Mercurio, volando por los aires mientras sostiene al pequeño Hércules.

La obra de Rubens, que podéis ver arriba del todo, cuenta una versión diferente de la historia. En ella, Júpiter engaña a su mujer diciéndole que el niño es un pobre huerfanito hambriento y ella se presta voluntaria a darle de comer. En este caso, la fuerza con la que succiona el mamoncete hace que la leche se derrame formando una galaxia.

Chorrito lácteo

2011-10-07T18:02:00.005+02:00

Alonso Cano, San Bernardo y la virgen (XVII), Museo del Prado, Madrid

Este es otro de los temas iconográficos relacionados con las bondades de la lactancia natural. En este caso, el tomador es San Bernardo de Claraval y la donante, la virgen María. ¿Cómo se llegó a esta insólita escena? Pues muy simple...

San Bernardo de Claraval (1090-1153) fue uno de los principales impulsores del arte gótico, de la Orden del Temple y de las cruzadas... un tipo importante en el mundillo eclesiástico, vamos. De origen noble, fundó el monasterio de Claraval, en Francia, y fue un gran propagador del culto a la virgen María. Como agradecimiento por sus desvelos, la virgen tuvo la deferencia de premiarle, un día que estaba rezando, con un chorrito de leche . Ni más, ni menos.

Maestro de Borbató, San Bernardo y la virgen, Iglesia de San Feliu, Xàtiva

No es una escena que se represente mucho en el arte, pero hay algunos ejemplos. Dos de los más famosos en el Museo del Prado. San Bernardo siempre va vestido con un hábito blanco y un corte de pelo "a la bacinilla con calva despejada", la virgen con su indumentaria habitual, túnica roja y manto azul (moda que adoptaría años después su retoño Jesucristo). El chorrito se lo lanza desde lejos, que aquí no hay tanta confianza como en la caridad romana.

Murillo, San Bernardo y la virgen (h.1655), Museo del Prado, Madrid

No es lo que parece (o eso dicen)

2011-10-05T20:09:00.006+02:00

Rubens, La caridad romana (1612), Museo Hermitage, San Petersburgo.

Sí, ya lo sé, impacta un poco.Y si encima os digo que los protagonistas son padre e hija, pues para qué queremos más... Sin embargo, es un tema iconográfico ("la caridad romana") que causó furor en los siglos XVII y XVIII.

Estos dos personajes se llaman Cimón (el chupóptero) y Pero (central lechera), y son los protagonistas de una brevísima historia (de un par de líneas) que inmortalizó el escritor romano Valerio Máximo en el siglo I d.C, y que yo os voy a contar en versión un poco más extendida:

Al anciano Cimón le habían encarcelado y condenado a morir de hambre en su celda, vete tú a sabér qué haría. Su generosa hija, dispuesta a salvarle la vida, le iba a visitar todos los días para alimentarle a escondidas con una dieta estricta de lácteos. Los guardias no sospechaban de la jovencita a la que, a pesar de los cacheos, jamás pudieron encontrarle ni un panecillo en los bolsillos. Al final, se descubrió el pastel, pero la ciudad de Roma quedó taaaaaaaan conmovida por la piedad filial de Pero, que los jueces decidieron liberar al viejecillo de la cárcel.

Fresco de Pompeya (50-79 d.C), Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.

¿Por qué tuvo este tema tanto tirón entre los artistas? Aparte del morbo evidente, por ser un tema tabú, le permitía al artista demostrar su pericia técnica, ya que le obligaba a representar dos cuerpos muy distintos: el de una mujer joven y turgente y el de un hombre anciano y apergaminado.

Rubens, La caridad romana (h.1630), Rijksmuseum, Amsterdam (no le valía con pintar sólo uno)

Para dejarnos claro que es una escena "casta", el padre suele tener las manos a la espalda o cogidas, y no toca a su hija, que por lo general está mirando hacia otro lado, ¿por pudor o para vigilar que no vengan los guardias?

Antoni Solá, La caridad romana (1851), Museo del Prado, Madrid.

Caravaggio, Las siete obras de misericordia (1607), Iglesia del Pio Monte della Misericordia de Nápoles. (En este caso representa dos obras de misericordia al tiempo, visitar a los presos y alimentar al hambriento.)

Charles Mellin, La caridad romana (XVII), Museo del Louvre, París.

Programación de OCTUBRE

2011-09-30T00:09:00.005+02:00

¡Corre, apúntate! ¡Qué nos las quitan de las manos!

Os presentamos la programación de actividades para este próximo mes de octubre. Como ya sábeis, las clases son independientes, y os podéis apuntar a las que más os motiven. De momento, nos centraremos en los fines de semana e iremos alternando diferentes tipos de actividades:

Destripemos una ópera: diseccionaremos (con cariño) una ópera famosa, proyectando una selección de sus mejores fragmentos (10€)
Lo que nos cuentan los cuadros: para los que quieran saber más sobre pintores y escultores de diferentes épocas (10€)
El té de las seis: monográfico hartístico acompañado de una deliciosa merienda, con té, sandwiches, tartas, galletas, bizcochos... todo casero (13€)
Paseos para snobs: visitas a museos y exposiciones de la ciudad (actividad gratuita, sólo hay que pagar lo que nos cobren por entrar)

ACTIVIDADES DE OCTUBRE

Destripemos una ópera: “La sonnambula” de Bellini
Si hiciésemos un ranking sobre los argumentos operísticos más chorras, esta ópera se llevaría el premio gordo. Sin embargo, la maravillosa música que compuso Bellini para ella hace que traguemos con todo eso y mucho más.
¿Cuándo? El sábado, 1 de octubre, de 18:00 a 20:00 h.

Lo que nos cuentan los cuadros: El Neoclasicismo
El arte neoclásico fue el vivo reflejo de las nuevas ideas ilustradas y de los "aterradores" cambios políticos y sociales con los que tuvo que lidiar la anquilosada Europa. Es el arte de la Revolución Francesa y de las conquistas napoleónicas. Y por supuesto, el arte de nuestro querido colega Goya.
¿Cuándo? El sábado, 8 de octubre, de 18:00 a 20:00 h.

Destripemos una ópera (neoclásica): “Ifigenia en Táuride” de Gluck
¿Qué mejor forma de cerrar el Neoclasicismo que con una ópera típica de esta época? Una historia ambientada en la Grecia legendaria y truculenta, basada en la obra teatral de Eurípides. Como comprobaremos, el estilo operístico seguía las mismas pautas que utilizaban los pintores y escultores para expresarse: elegancia por encima de todo, contención en los sentimientos, etc.
¿Cuándo? El sábado, 15 de octubre, de 18:00 a 20:00 h.

El té de las seis: “Los ballets rusos de Diaghilev”
Un monográfico sobre el gran Sergei Diaghilev, que revolucionó el mundo del ballet combinando la danza y la música con el arte más vanguardista de su época. En sus decorados y vestuarios participaron artistas como Picasso o Matisse. Y también hablaremos de su gran amiga y mecenas Misia Sert, musa idolatrada por los artistas… la rusa más fascinante del París de la época.
¿Cuándo? El sábado, 22 de octubre, de 18:00 a 20:00 h.

Paseos para snobs: visita a la exposición “Los ballets rusos de Diaghilev” (CaixaForum Barcelona)
El complemento perfecto a nuestro monográfico es una visita a esta interesante exposición que nos han traído del Victoria&Albert de Londres. Enlace a la página de la exposición aquí.
¿Cuándo? Fecha y hora a determinar.

-------IMPRESICINDIBLE RESERVA PREVIA en info@harteconhache.com-------

¡JA JA JA JA!

2011-09-28T20:42:00.005+02:00

Para celebrar que empieza una nueva temporada de harte con hache... unos cuantos vídeos musicales en los que las carcajadas son protagonistas

Las de Julie Andrews y Dick Van Dyke en Mary Poppins. Una interesante tesis sobre tipos de risas.

Vídeo de AlexValve

Las del agotador Donald O'Connor en Cantando bajo la lluvia. Otra tesis, pero esta vez sobre cómo hacer reír. (Haz clic en la imagen para abrir el vídeo en YouTube.)

Y las carcajadas cantadas de Isabel Rey en el aria de Adele "Mein Herr Marquis", de la opereta El murciélago de Johann Strauss II (1874)

Vídeo de pelagohippos01

In fraganti

2011-05-09T15:41:00.004+02:00

Cuando se apagan las luces del estudio y oyen la puerta cerrarse...

Mr. y Mrs. Woodman retozan
Mr. y Mrs. Woodman se ejercitan
Mr. y Mrs. Woodman hacen malabares
Mr. y Mrs. Woodman comen madera
Mr. y Mrs. Woodman se ríen del kamasutra
Mr. y Mrs. Woodman se lo pasan teta
Mr. y Mrs. Woodman ignoran...

... que Man Ray, antes de salir, dejó su cámara escondida entre los libros de la estantería.

Si quieres saber más sobre este increíble fotógrafo, apúntate este miércoles, 11 de mayo, a nuestra clase sobre el dadaísmo. Más información en la web de Harte con Hache.

Autorretratos - Gustave Courbet

2011-04-11T16:26:00.010+02:00

Con este post, empezamos una serie de artículos sobre autorretratos de pintores. ¿Qué llevaba a los artistas a retratarse a sí mismos una y otra vez? ¿Un ego desmedido? En algunos casos, puede ser. Pero, por lo general, el motivo era bastante más prosaico... Los artistas pintaban autorretratos porque les salían gratis y, de este modo, evitaban tener que pagar a modelos profesionales que posaran para ellos. Es bien sabido que los pintores no destacaban por tener el bolsillo muy lleno y, los pocos que lo tenían, normalmente lo tenían agujereado.

Si nos fiamos de sus autorretratos, el pintor Gustave Courbet (1819-1877) debía ser un tipo bastante resultón. Y teniendo en cuenta que fue el maestro del realismo, lo lógico es dar por hecho que debían ser retratos fidedignos. Para él, autorretratarse era como escribir una autobiografía. Se pintó muchas veces y en actitudes muy distintas (si hacéis clic en las imágenes, podréis verlas a mayor tamaño):

De muy jovencito, con 23 años, como artista romántico y amante de la naturaleza.

Autorretrato con perro (1842), Museo del Petit-Palais, París.

Seis años más tarde, cuando ya empezaba a tener éxito, con gesto sobradillo, mirando al espectador un poco por encima del hombro.

Autorretrato con pipa (1848-1849), Museo Fabre, Montpellier.

Como un hombre herido, apoyado en el tronco de un árbol. Según parece, en origen era un hombre dormido con una mujer al lado y tras un desengaño amoroso, sustituyó la mujer por la espada y se pintó una herida en el pecho.

Hombre herido (1844-1854), Museo d'Orsay, París.

Y para acabar, mi favorito, Hombre desesperado. No es difícil ver en este autorretrato un lance amoroso con mal final. Aunque de primeras parece mirarnos, si nos fijamos bien nos damos cuenta de que en realidad se está mirando en un espejo. Los ojos se dirigen hacia el espectador, pero la mirada no nos llega, se queda por el camino o nos sobrepasa, como si fuésemos invisibles.

Hombre desesperado (1844-1845), colección particular.

¿A que te han gustado? Pues no os perdáis la exposición "Realismo(s)" del MNAC, en Barcelona, del 8 de abril al 10 de julio. Allí podréis ver en vivo y en directo estas cuatro obras, junto con muchos otros cuadros del pintor. Si exceptuamos los lienzos de mayor formato, han logrado reunir lo mejorcito de su producción.

La bella Suzanne

2011-03-20T18:58:00.004+01:00

Elle ne me laissa rien à part une froide solitude qui remplit la tête avec du vide et le cœur avec de la peine (No me deja nada, a excepción de una fría soledad que llena la cabeza de vacío y el corazón de pena).
Palabras del músico Erik Satie, después de ser abandonado por Suzanne Valadon.

Marie Clementine Valade (1865-1938), hija de una lavandera y de padre desconocido, se trasladó a París con su mamá a la tierna edad de cinco años. Con sólo quince empezó a trabajar como acróbata en el circo. Sin embargo, al año siguiente, una caída del trapecio que casi le cuesta la vida le obligó a replantearse su futuro profesional. Como era una chica mona y vistosa, decidió posar como modelo para algunos de los pintores de su barrio (Montmartre).

La bella Marie.

Posó para Renoir, Toulouse-Lautrec y Puvis de Chavannes. Cada uno la retrató a su estilo (como podréis comprobar en los cuatro cuadros de aquí abajo), con algunos de ellos tuvo affaires -algo frecuente en las modelos de esa época- y de todos aprendió algo. Marie no se limitaba a contemplar las musarañas mientras la retrataban, iba absorbiendo como una esponja las técnicas y estilo de estos artistas. Al poco tiempo empezó a pintar también. Su gran amigo Degas, impactado por sus intensos dibujos, le animó a dedicarse al mundo del arte.

Renoir. Baile en Bougival. 1883. Museum of Fine Arts. Boston.

Renoir. Mujer trenzándose cabello. 1885. Colección particular.

Toulouse-Lautrec. La resaca. 1887-1888. Fogg Art Museum. Cambridge, Massachusetts.

Puvis de Chavannes. Mujeres a la orilla del mar. 1879. Musée D’Orsay. París.

En esa época decide cambiar de nombre. El culpable no fue otro que Toulouse-Lautrec, que le debió decir algo así como “tú, que posas desnuda delante de los viejos, deberías llamarte Susana”. Dicho y hecho, Marie cambió su nombre por el de Suzanne Valadon.

En 1883 nace su hijo Maurice. Se ha especulado mucho sobre quién era el padre de la criatura, algo que ella se negó siempre a desvelar. El niño adoptó más adelante el apellido de un buen amigo de Suzanne, el pintor y periodista catalán Miguel Utrillo, uno de los asiduos de Els Quatre Gats en Barcelona. Aleccionado y educado por su madre, Maurice Utrillo se convirtió en un famosísimo pintor.

Dos fotos de Suzanne Valadon con su hijo, Maurice Utrillo.

En 1893 tuvo un intenso romance de seis meses con el músico Erik Satie, el llamado padre de la música moderna. Tras su primera noche juntos, Satie le propuso matrimonio. Ella, por supuesto, rehusó. Cuando Suzanne le abandonó, Satie quedó completamente devastado (de hecho fue la única relación amorosa que se le conoce).

Siempre fue una mujer independiente, libre y extravagante. Se cuenta que llevaba corsés de zanahorias, que tenía una cabra en su estudio para que se comiese los dibujos que no le gustaban y que los viernes alimentaba a sus gatos con caviar como “buenos católicos”. Como pintora era perfeccionista y meticulosa (podía trabajar hasta varios años en un mismo lienzo), utilizaba colores brillantes y marcadas líneas negras, con mucha influencia de los fauvistas.

Suzanne Valadon. Autorretrato. 1883.

En 1896 optó por sentar cabeza y se casó con el corredor de bolsa Paul Mousis. Pero la cosa no duró mucho, ya que a los tres años le abandonó por André Utter, un amigo de su hijo de 23 años, al que casi doblaba la edad. Vivían los tres juntos, como una familia bien avenida (siendo el padrastro, en este caso, más joven que el hijo).

Maurice Utrillo, Suzanne y André Utter.

Murió en París el 7 de abril de 1938. A su funeral acudieron muchos sus colegas y amigos, entre los que se encontraban Andre Derain, Pablo Picasso y Georges Braque.

Estos son algunos de sus cuadros más famosos: La habitación azul, Adán y Eva y el retrato de su amante Erik Satie. Los modelos para el cuadro de Adán y Eva son ella misma y su compañero André Utter. Fue el primer desnudo masculino pintado por una mujer, aunque para exponerlo en el Salón de los independientes parece que tuvo que añadirle con posterioridad una casta hoja de parra.

Suzanne Valadon. La habitación azul.

Suzzane Valadon. Adán y Eva.

Suzanne Valadon. Retrato de Erik Satie.

Suzanne pintando en su estudio.

El moscardón 2.0

2011-03-17T23:26:00.004+01:00

Hoy os traemos dos vídeos con la interpretación del archiconocido "El vuelo del moscardón" de Rimsky-Korsakov.

La primera en versión analógica. Intérprete: Evgeny Kissin. Instrumento: piano

Vídeo de pianorainbow

La segunda en versión digital. Intérprete: Lang Lang. Instrumento: iPad

Vídeo de charissalui

We love Lang Lang... (and Evgeni Kissing too)

Kandinsky said...

2011-03-14T12:00:00.002+01:00

Kandinsky, Improvisación nº30 "Cañones", 1913. Art Institute of Chicago

“Cuando tenemos una conversación interesante con una persona, intentamos bucear en su alma, buscamos su rostro interior, sus pensamientos y sentimientos y no pensamos que está utilizando palabras que constan de letras [...] Sabemos que todas estas partes son completamente secundarias, puramente accesorias en nuestra conversación, que las utilizamos como medios externos necesarios y que lo esencial del diálogo es la comunicación de ideas y sentimientos. La misma actitud habría que adoptar frente a la obra de arte.”

(Wassily Kandinsky, De lo espiritual en el arte, 1911)

Curso gratuito - El papel de la mujer en el arte, siglos XIX y XX

2011-03-12T18:25:00.004+01:00

Durante el mes de marzo, Harte con Hache imparte un curso gratuito en la Biblioteca Montbau titulado El papel de la mujer en el arte durante los siglos XIX y XX. Para asistir, es necesario inscribirse previamente en la biblioteca:

BIBLIOTECA MONTBAU
Biblioteques de Barcelona
c/Àngel Marquès, 4-6
08035 Barcelona
Tel. 934 270 747
b.barcelona.m@diba.cat
www.bcn.cat/bibmontbau

EL PAPEL DE LA MUJER EN EL ARTE, SIGLOS XIX Y XX

Miércoles, 16, 23 y 30 de marzo, de 18:30 a 20:30

LAS MODELOS DE LOS ARTISTAS: A principios del siglo XX, posar para los artistas estaba socialmente muy mal visto. Sin embargo, muchas de estas mujeres consiguieron hacer carrera gracias a ello. Otras aprendieron a pintar en estos talleres y acabaron convirtiéndose en artistas de éxito. Hablaremos de las musas de los pintores prerrafaelitas, de los amores de Modigliani y de Egon Schiele, de dos famosas modelos parisinas: Suzanne Valadon y Kiki de Montparnasse, de las mujeres que posaron para los cuadros de Klimt y de muchas otras.
LAS MUJERES Y LA PINTURA: explicaremos la obra de algunas mujeres que lograron destacar en el mundo del arte, a pesar de que éste seguía dominado por los hombres: Frida Kahlo, Tamara de Lempicka, Sonia Delaunay, Berthe Morisot (pintora impresionista), etc.
ESCULTORAS, FOTÓGRAFAS Y MECENAS: Contaremos la vida y milagros de una de las grandes mecenas del arte del siglo XX, Peggy Guggenheim, cuya colección puede contemplarse en su museo de Venecia. También veremos obras de las escultoras y fotógrafas más famosas, como Camille Claudel, Louise Bourgeois, Dora Maar, Julia Margaret Cameron, etc.

Ñam Ñam

2011-01-01T16:04:00.004+01:00

Saturno devora a sus hijos. El tiempo se come las horas, los días, los meses y los años.
Lo importante es que nos sepan ricos.
¡Feliz año nuevo queridos caníbales!

Saturno es el nombre que los romanos dieron a Cronos, la personificación del tiempo. Una profecía decía de que sería destronado por uno de sus hijos, así que cada vez que nacía uno se lo comía… mejor prevenir que lamentar, ya se sabe. Su mujer logró esconder a uno de los niños, Júpiter para los romanos y Zeus para los griegos, que efectivamente venció a su padre, le abrió la barriga y sacó de ella a todos sus hermanos y hermanas. Igualito que en el cuento de los siete cabritillos.

Peter Paul Rubens. Saturno devorando a su hijo (1636). Museo del Prado.

Francisco de Goya. Saturno devorando a su hijo (1820-1823). Museo del Prado.

Parricidio... o casi

2010-12-06T23:22:00.008+01:00

Para hoy, un poco de música barroca: el aria Gelido in ogni vena de la ópera Farnace de Antonio Vivaldi

¿Qué pasa? El rey Farnace acaba de ser derrotado por los romanos y le ordena a su esposa que mate al hijo de ambos y luego se suicide -mejor dejar el trabajo sucio a otros-, para que no les capturen sus enemigos. Esta es el aria que canta Farnace, atormentado por haber hecho matar a su propio hijo (en realidad no está muerto porque su madre le ha escondido, pero eso Farnace no lo sabe).

¿En qué hay que fijarse? En la orquestación. Vivaldi utilizó fragmentos de su concierto El invierno (Las cuatro estaciones) para representar el frío físico que siente Farnace al darse cuenta de lo que ha hecho . Es una típica "aria da capo" barroca, que tenían esta estructura: estrofa 1-estrofa 2-repetición estrofa 1 (en la repetición, el cantante puede improvisar). En este caso concreto, la primera estrofa se repite dos veces.

¿Quién canta? La mezzosoprano Cecilia Bartoli, que pone los pelos de punta por la intensidad y el gusto con que la interpreta. Intentad que no os distraigan los caretos que pone...
Podéis ver esta versión, que está dividida en dos mitades, o utilizar este enlace para verla en alta definición y sin cortes: Bartoli - Gelido in ogni vena

Vídeos de leostrad

¿Qué dice? Poca cosa, como todas las arias barrocas, que suelen ser largas pero con poca letra.

Gelido in ogni vena
Helada por las venas
Scorrer mi sento il sangue
siento correr mi sangre
L'ombra del figlio esangue
La sombra del hijo inerte
M'ingombra di terror
me llena de terror

E per maggior mia pena
Y para mayor pena mía
Credo che fui crudele
creo que fui cruel
A un'anima inocente
con un alma inocente
Al core del mio cor
el corazón de mi corazón

Un pequeño gran artista

2010-11-29T20:45:00.007+01:00

Toulouse-Lautrec en la playa de La Crotoy, 1899.

Provocador, aristócrata, alcohólico, juerguista, una extraña mezcla de dandy y bohemio, amante y amado por las mujeres, lúcido, divertido, original, un magnífico dibujante y un documentalista minucioso del Montmartre de fines del siglo XIX. Henri de Toulouse-Lautrec fue todo eso y mucho más.

La consanguinidad de sus padres (primos hermanos), le impidió crecer más allá del metro y medio. Pero no estaba dispuesto a que la gente sintiese lástima de él y abandonó los lujos del castillo de su familia por el fascinante barrio de Montmartre, donde todo era válido, donde nadie se sentía rechazado y personas de todo tipo convivían con total naturalidad.

Enamoró a la bellísima Suzanne Valadon, musa de artistas, que intentó suicidarse cuando Henri se negó a casarse con ella. Vivió en el burdel de Rue des Moulins, donde inmortalizó a muchas de sus amigas prostitutas. Retó a un duelo a otro artista que tuvo la osadía de criticar a su querido amigo Van Gogh. Pero sobre todo, dedicó su corta vida a fotografiar con sus lápices y pinturas el mundo del espectáculo, el circo, el lujo y la miseria de los cabarets.

Vídeo de SatinFox02

Y como muestra, dos de las más famosas bailarinas del Moulin Rouge: La Goulue y Jane Avril.

La Goulue en el Moulin Rouge (1892), MOMA, Nueva York.

Jane Avril - Jardin de Paris (1893), litografía.

Si quieres saber más sobre este gran artista, puedes apuntarte el miércoles 1 de diciembre, a las 19:30, a nuestra clase de vanguardias.

Reflexiones sobre el arte contemporáneo

2010-11-11T19:12:00.009+01:00

"Cuando mira usted las primeras y toscas obras se limita a encogerse de hombros. Al contemplar el lote siguiente, rompe a reir. Pero las últimas acaban por provocar su ira. Y lamenta no haberle dado a un pobre el franco que le ha costado la entrada."

Reseña sin firmar publicada en La Patrie el 21 de abril de 1874 sobre la primera exposición impresionista, en la que se mostraron, entre muchas otras, estas obras:

Berthe Morisot, La cuna (1872, Musée d'Orsay, París)

Claude Monet, Impresión, amanecer (1872, Museo Marmottan, París)

Auguste Renoir, El palco (1874, Courtauld Gallery, Londres)

Ahora no diríamos lo mismo, ¿verdad? Se han convertido en obras famosas que vamos a contemplar con éxtasis a los museos sin que nos duela en el bolsillo pagar la entrada. Pero sí que lo decimos delante de obras de arte actuales que no conseguimos entender... Esto demuestra claramente que los artistas han ido siempre un paso por delante de nosotros.

En Harte con Hache estamos dando un curso sobre el arte de las vanguardias los miércoles de 19:30 a 21:00. Encontrarás el programa en nuestra web:
www.harteconhache.com/cursos_vanguardias.html

¡Tomemos la Bastilla! - Diálogos de carmelitas

2010-11-02T12:19:00.006+01:00

La escena más terrorífica de toda la historia de la ópera (al menos para mí) es el final de Diálogos de carmelitas de Francis Poulenc. Esta ópera se estrenó en 1957 en el Teatro alla Scala de Milán y está basada en un hecho real de la revolución francesa. Durante la época del Terror, se ordenó ejecutar a dieciséis monjas carmelitas de un convento de Compiègne. En esta escena, las monjitas van cayendo una a una mientras entonan una oración en latín Salve Regina. Los golpes de la hoja de la guillotina ponen literalmente los pelos de punta.

Vídeo de gslanfranchi

P.D. La penúltima monjita en morir es la soprano francesa Patricia Petibon, que estará cantando en en el Liceu del 5 al 16 de noviembre el papel protagonista de Lulú, una de las óperas de Alban Berg.

Definitivamente, Goya perdió la cabeza

2010-10-20T01:27:00.005+02:00

Hay poca gente que sepa que nuestro afamado pintor Don Francisco de Goya y Lucientes yace decapitado en la ermita de San Antonio de la Florida. Y lo que es peor, que a día de hoy sigue sin conocerse el paradero de tan ilustre cabeza.

Goya murió en Burdeos en 1828, donde llevaba varios años exiliado por sus ideas políticas. Aunque en su testamento había pedido ser enterrado en Madrid, en la iglesia de San Francisco, sus huesos fueron a dar al cementerio de Burdeos, compartiendo panteón con su amigo y consuegro Don Martín Miguel Goicoechea.

El caso es que muchos años después, allá por 1880, el cónsul español en Burdeos, Joaquín Pereyra, se topó con la tumba de Goya mientras paseaba por el cementerio. Y decidió que los restos del pintor debían descansar en España, y no en un panteón deteriorado, ruinoso y compartido de Gabacholandia.

Empezó a dar la murga a la administración pública, que ya por entonces adolecía de los mismos vicios que hoy en día. En principio la idea les pareció buena. Se apresuraron a construir un panteón común en la Sacramental de San Isidro -uno de los cementerios madrileños de la época-, en el que reposarían también los restos de otros prestigiosos españoles muertos en el exilio (para ahorrar gastos, ya se sabe). Las obras fueron “rápidas”. En 1886 el panteón estaba listo. Sólo quedaba solicitar los permisos necesarios para trasladar el cuerpo.

La administración le propone al cónsul Pereyra que busque en Burdeos a algún veraneante español de confianza, y que le pida amablemente que se traiga el cuerpo de Goya a España a la vuelta de sus vacaciones, como un baúl más, para evitarse tener que mandar a alguien desde Madrid a recogerlo. Pereyra monta en cólera por tamaña tacañería. No logran ponerse de acuerdo y el asunto se archiva durante un par de años.

En 1888 Pereyra vuelve a la carga. Finalmente consigue los permisos para abrir el panteón de Goya y Goicoechea. Dentro del mismo encuentran dos cajas sin inscripciones, y cuando levantan las tapas ¡oh sorpresa! a uno de los cuerpos le faltaba el cráneo. Por pura lógica se trataba del féretro de Goya, ya que era el más próximo a la entrada y Goya fue el último en morir.

Y aquí empieza el verdadero lío. El cónsul Pereyra opina que lo mejor es llevarse los dos cuerpos a Madrid, para tener la absoluta certeza de que los restos de Goya vuelvan a España. La administración pública, con su siempre reducido presupuesto, dice que no, que sólo un cuerpo, que traerse a los dos muertos es duplicar gastos. Pereyra insiste. La administración cede un poco, de acuerdo, los dos cuerpos, pero metidos en una sola caja, y que digan que es sólo el de Goya. Pereyra se niega, no quiere arriesgarse a que los familiares de Goicoechea le demanden por sustracción de muerto. Consecuencia: nuevo parón burocrático.

En 1891 el pintor Raimundo de Madrazo pasa por Burdeos y Pereyra le cuenta la historia. Madrazo se compadece y escribe un artículo en un importante periódico denunciando la situación y comprometiéndose a pagar él los gastos del traslado si fuese necesario. Pasan de él como de la mierda.

Madrazo retratado por Sorolla.

Tres años después intentan darle un nuevo empujón al tema. Y vuelven a estancarse en el mismo punto. Pereyra quiere que se lleven los dos cuerpos, la administración dice que sólo uno. El panteón construido para albergar los restos de Goya en Madrid se ha deteriorado después de tanta espera. Toca restaurarlo ¡Es tan típicamente español esto de trabajar dos veces!

En 1899 logran llegar a un acuerdo: deciden meter los restos de los dos difuntos en un mismo ataúd pero separados por dentro en dos cajitas individuales ¡Once años para una solución tan simple! Los restos de Goya, junto con los de Goicoechea, parten hacia España. Pero no se los llevan directamente al nuevo panteón, tampoco hay tanta prisa, mejor dejarlos en la iglesia de San Isidro junto con los de Moratín, Meléndez Valdés y Donoso Cortés, los otros copropietarios del mausoleo, que llevaban allí un porrón de años esperando la llegada de Goya, porque ya sabemos... oficiar un re-entierro común es más barato que celebrar cuatro por separado.

Un año después los restos de Goya- Goicoechea, Moratín, Meléndez Valdés y Donoso Cortés son enterrados por fin en el mausoleo de San Isidro.

“Pero bueno... bien pensado, en realidad sería mejor que Goya descansase en la ermita de San Antonio de la Florida, que es donde pintó esos frescos tan monos... Pues nada, volvamos a cambiarle de sitio”.

Y así, desde 1919 los restos de Goya y Goicoechea reposan en la ermita de San Antonio de la Florida, donde permanecerán juntitos pero no revueltos, si la administración lo permite, hasta el final de los tiempos.

¿Y qué pasó con la cabeza?

Pues existen dos hipótesis. La primera dice que Goya dio su consentimiento al doctor Lafargue para que una vez muerto le cortase la cabeza y la analizase. En esa época estaban muy de moda los estudios frenológicos, que trataban de relacionar la observación del cerebro con la genialidad y la locura. Por tanto, según esta teoría, Goya habría sido enterrado sin cabeza desde el principio.

Sin embargo la hipótesis hace aguas. La mujer del pintor Brugada -discípulo de Goya en esa época y que retrató al pintor en su lecho de muerte- afirma que Goya fue enterrado “entero”, envuelto en una sábana y con un sombrerito de seda. Dentro de la caja se encontraron los restos de un sombrerito... y nos pongamos como nos pongamos, no tiene demasiado sentido enterrar a Goya con gorro si no tenía cabeza.

La segunda teoría es aún más truculenta. En 1928 salió a la luz un cuadrito -ahora desaparecido- firmado por el pintor Dionisio Fierros en el que aparecía representada una calavera sin mandíbula. Por la parte de atrás tenía la inscripción “cráneo de Goya pintado por Fierros - 1849”. Es decir, la obra fue pintada veinte años después de la muerte de Goya y casi cuarenta años antes de que se abriese su tumba.

Autorretrato de Dionisio Fierros.

Un nieto de Dionisio Fierros contaba que su abuelo conservaba una calavera en su estudio y que podría haber sido la de Goya. La viuda de Fierros lo corrobora. Por desgracia, uno de los hijos del pintor, estudiante de medicina, se la llevó a Salamanca para hacer prácticas y la hizo estallar en pedazos en uno de sus experimentos.

¿Prófano Fierros la tumba de Goya? ¿Le compró el cráneo del artista a un chamarilero? ¿O sólo sabía de su existencia y se le ocurió pintarla en un cuadro? Lo que está claro es que mucho antes de que se abriese la tumba por primera vez, algunos ya sabían que el artista estaba decapitado.

¡Tomemos la Bastilla! - Las bodas de Figaro

2010-09-29T21:37:00.004+02:00

Las bodas de Figaro es una de las óperas más divertidas de Mozart. Sin embargo, tras los enredos y equívocos de su libreto se esconde una dura crítica social. Se estrenó en Viena el 1 de mayo de 1786, tres años antes de que estallase la Revolución Francesa, y el espíritu de la misma ya es evidente en el texto.

Los protagonistas de la ópera son Figaro y su prometida Susanna, criados de los condes de Almaviva, que deciden ponerle una trampa a su señor para castigarle y dejarle en evidencia (y evitar así que ejerza el derecho de pernada con Susanna antes de la boda). Los criados son los listos, los que finalmente se salen con la suya. El conde acaba de rodillas, humillado. Esto habría sido impensable años antes.

El libreto, escrito por Lorenzo da Ponte, se basa en la polémica obra teatral Le mariage de Figaro ou la folle journée del autor francés Caron de Beaumarchais, que fue censurada en Europa por poner en duda la legitimidad de los estamentos sociales del Antiguo Régimen. Mozart y da Ponte le prometieron al emperador José II "suavizar" un poco la historia para que les dejase representar la ópera.

Aquí tenemos una de las arias de Figaro, Se vuol ballare, signor contino, il chitarrino le suonerò (Si quiere bailar, señor condesito, le tocaré la guitarrita) en la que critica a su amo por intentar seducir a Susanna y promete frustrar sus planes. Las cuerdas, mediante el pizzicati, imitan el sonido de la guitarra. El ritmo es el de un minueto. Y la ironía con la que lo canta Bryn Terfel es magistral.

Vídeo de Gabba02. Bryn Terfel en el Metropolitan de Nueva York, 1998.

¡Tomemos la Bastilla! - Andrea Chenier

2010-09-17T15:43:00.013+02:00

Después del descanso estival, hemos decidido romper el mutismo del blog con una serie de posts sobre la Revolución Francesa en el arte.

Una de las óperas más famosas ambientadas en la época de la Revolución Francesa es Andrea Chenier (1896) de Umberto Giordano. En ella se cuenta la vida del poeta revolucionario Andrè Chenier, un personaje real, al que guillotinaron en la etapa del Terror por no ser lo suficiéntemente revolucionario (en esa época las medias tintas no eran buenas). En la ópera, Andrea Chenier se enamora de una noble, Maddalena de Coigny, que es la que canta la famosísima aria La mamma morta. Como era de esperar, hay un barítono malo que también quiere acostarse con la chica y que aprovecha su poder para firmar la condena de Andrea Chenier. Al final, los dos amantes mueren juntos.

Giuseppe Borgatti, el primer Andrea Chenier.

Si tuviese que escoger un fragmento de esta ópera de Giordano, me quedaría sin dudarlo con el aria Come un bel dì di maggio (Como un hermoso día de mayo), que canta el poeta en el último acto, cuando está encerrado en la prisión esperando la muerte. Es un "adiós a la vida" maravilloso. ¡A disfrutarlo!

Video de ursey39. Plácido Domingo (Viena, 1981)

Come un bel dì di maggio
Como un hermoso día de mayo
che con bacio di vento
que con el beso del viento
e carezza di raggio
y la caricia del rayo
si spegne in firmamento,
se apaga en el firmamento,
col bacio io d'una rima,
yo, con el beso de una rima,
carezza di poesia,
caricia de poesía,
salgo l'estrema cima
subo a la última cima
dell'esistenza mia.
de mi existencia.
La sfera che cammina
La esfera que camina
per ogni umana sorte
por toda suerte humana
ecco già mi avvicina
me acerca ya
all'ora della morte,
a la hora de la muerte
e forse pria che l'ultima
y, tal vez, antes de que mi última
mia strofe sia finita,
estrofa se acabe,
m'annuncerà il carnefice
el verdugo me anunciará
la fine della vita.
el fin de la vida.
Sia! Strofe, ultima Dea!
¡Sea! ¡Estrofa, última diosa!
ancor dona al tuo poeta
Dale aún a tu poeta
la sfolgorante idea,
la idea brillante,
la fiamma consueta;
la llama habitual;
io, a te, mentre
yo, a ti, mientras
tu vivida a me sgorghi dal cuore,
me brotas vívidamente del corazón
darò per rima il gelido
te daré por rima el gélido
spiro d'un uom che muore.
suspiro de un hombre que muere.

Marramamiau

2010-06-13T23:46:00.007+02:00

Hoy os traigo el Duetto buffo di due gatti (dúo cómico para dos gatos)

Una pieza tradicionalmente atribuida al compositor Rossini, pero que en realidad no es del todo suya. Se cree que es obra de un tal Lucas de Pearsall (1795-1856), que dedicó su inglesa vida a
componer himnos y que, en un ataque de mala-leche-pero-con-gracia, hizo un remix con la música que había compuesto Rossini para su ópera Otello y le puso algo así como "letra":

Vídeo de operalover9001

Cantado por Victoria de los Ángeles y Elisabeth Schwarzkopf en 1967, en el Royal Festival Hall de Londres (lástima que no existan imágenes de esta mítica representación).

¡Mío!

2010-06-05T21:50:00.004+02:00

- Ese es el mío.
- No rica, el tuyo no es este, es ese que está ahí tirado.
- Que no, que te digo que es el mío, mírale bien.
- Ya le estoy mirando y tiene claramente mis ojos.
- De eso nada monada, es igualito que mi marido.
- Qué va, si tu marido es un adefesio y este niño es una monada…
- Se acabó la tontería, dámelo de una vez.
- Ni lo sueñes, es mío.
- El tuyo es ese violáceo que hay en el suelo.
- No, el mío es este rosita.
- El tuyo es el morado, te digo.
- Que no.
- Que sí.
- Mira que voy a contárselo al rey…
- Eso, eso, vamos a ver que dice el rey.
…
- Ejem… señor, ahí afuera hay un par de locas peleándose por un bebé, dicen que quieren hablar con usted.
- Diles que pasen.
- Es que vienen también con un niño muerto, señor.
- Coño, cómo está el populacho, pásalas anda.
…
- A ver señoras, ¿qué pasa?
- Pues que a esta bruja se le ha muerto el niño y me quiere quitar el mío.
- De eso nada, el mío es el vivaracho. El suyo es ese que no se mueve.
- Sí claro… ¡cómo que no voy a saber yo quién es mi hijo!
- Pues será que no le reconoces por la mala pinta que tiene, pero el que llevas en brazos desde luego que es el mío.
- Mira rica, me estás empezando a hartar.
- Vamos a ver señoras, un poco de calma. Y dejen de de tirar del pobre crío que lo van a desmembrar. Me parece que lo mejor va a ser cortarlo por la mitad y un trozo para cada una.
- Eso, eso, si no es para mí para ti tampoco.
- ¡Uy no! Pobre criaturita… no lo corte, no, que se lo quede ella mejor.
- No señora, no lo iba a cortar, pero a esa otra se le ha visto el plumero. Coja a su hijo y lárguense ya… y por favor llévense al muertito también, no me lo dejen aquí tirado en la alfombra.

Era listo el rey Salomón…

Andrea Mantenga (1490-1500). Temple sobre lienzo. Museo del Louvre.
Imita un relieve sobre piedra, con las vetas del mármol incluidas. A Mantenga le fascinaban las perspectivas y los escorzos, y posiblemente sea el artista renacentista al que mejor se le daban. Tenemos que tener en cuenta que en la Edad Media habían perdido la técnica de la perspectiva y es como si estuviesen aprendiendo a pintar de nuevo. En este caso concreto, fijaos en la figura del niño muerto.

Rafael (1509-1511). Fresco. Stanza della Signatura, Vaticano.
De Rafael está todo dicho. Y el que todavía no se haya pasado por el Vaticano a ver sus frescos, ya está tardando, que no desmerecen en nada a la Capilla Sixtina. De esta escena, me quedo con la madre arrodillada y ese medio perfil tan sugerente. Pensar que este cabrito pintaba ya así con veintitantos años…

Nicolas Poussin (1649). Óleo sobre lienzo. Museo del Louvre.
Durante el barroco convivieron en Roma dos corrientes artísticas, la sangrienta e histérica de Caravaggio y la clasicista y racional de Poussin. Como buen francés, prefería las escenas claras y nítidas. Gestos muy teatrales, pero sin perder nunca la elegancia. La expresividad de los brazos extendidos y las manos es impresionante.

Valentin de Boulogne (h.1625). Óleo sobre lienzo. Museo del Louvre.
Y aquí tenemos la otra vertiente, la del barroco tenebrista y salvaje. Valentin de Boulogne era francés, pero trabajaba en Roma. Estuvo muy influido en su primera época por Poussin y luego se pasó al lado oscuro de Caravaggio. La escena es negra y trágica, pero las figuras no llegan a perder del todo la elegancia clasicista.

Giovanni Battista Tiepolo (1726-1729). Fresco. Palazzo Patriarcale, Udine.
Tiepolo era un artista que no me decía nada, hasta que vi sus frescos de la Villa Valmarana, en Vicenza, y me hice fan incondicional. Las fotos nunca le hacen justicia.

William Blake (1799-1800). Pintura sobre cobre. Fitzwilliam Museum, Cambridge.
Y la obra del visionario de Blake, con sus típicos ancianitos de largas barbas y túnicas blancas. Inconfundibles.

Gustave Doré (1865). Grabado.
Doré fue un importante ilustrador francés del XIX. Puso imágenes a muchas obras de la literatura, pero posiblemente su trabajo más famoso sea la biblia, a la que pertenece este grabado. Me gusta el contraste entre las dos mujeres, una tan digna como una estatua griega y la otra tirada en el suelo perdiendo los papeles.

Dos sillas, una navaja y una oreja

2010-05-28T00:27:00.012+02:00

Érase un pintor llamado Vincent. Vincent era un tipo muy triste que no tenía casi amigos. Aunque pintaba bastante bien, la gente no le compraba cuadros, así que su hermano Theo tenía que darle dinero para que pudiese vivir y comer. Resumiendo: era un “mantenido”.

Autorretrato de Van Gogh y supuesta fotografía

Érase otro pintor llamado Paul, que antes de ser pintor había sido marinero, y luego broker en la Bolsa de París. Paul estaba casado y tenía cinco hijos. Un día salió a comprar tabaco a la Martinica. Tardó más de un año en encontrarlo. Y además debía de ser carísimo porque cuando volvió a París no le quedaba ni un franco.

Paul Gauguin

Vincent y Paul eran amigos. Un día a Vincent se le ocurrió una fantástica idea ¿qué tal si montamos una comuna prehippy de artistas en Arlés? Y allá que se fue con todos sus bártulos, alquiló una casa de color amarillo, dejó todo bien limpito e invitó a sus amigos pintores. Pero todos le daban largas, “oye mira, lo siento mucho pero no voy a poder ir, es que llevo una semana con una lumbalgia terrible”, “vaya hombre, qué lástima, pero es que desde que mi mujer me pilló en la cama con la modelo me tiene atado muy corto”... Todos menos Paul, que como no tenía un chavo, había decidido convertirse también en “mantenido” de Theo. Y Theo, con muy buen criterio, le mandó a vivir con su otro “mantenido” para ahorrar en alquileres.

Esta es la casa amarilla, pintada por Vincent

Vincent estaba tan emocionado con la inminente llegada de Paul que quiso prepararle una sorpresa. Pintó varios cuadros de girasoles para decorar la habitación de su querido amigo.

Este es uno de los cuadros de los girasoles, el del Museo Van Gogh de Amsterdam

Y este es Vincent pintando los girasoles, retratado por Paul en 1887

Vincent y Paul trabajaban juntos. Salían al campo y pintaban los mismos paisajes, luego los comparaban y analizaban las diferencias. A veces también retrataban a las mismas personas, como por ejemplo a Madame Ginoux, “La Arlesiana”:

Pintada por Vincent

Y pintada por Paul

En esa época Vincent pintó dos de sus mejores obras: La silla de Van Gogh y La silla de Gauguin, que en realidad son fieles retratos de ambos y testimonio de las dos direcciones que tomaría el arte a partir de ese momento.

La silla de Vincent es amarilla (igual que las tenía en su habitación de Arlés, que también pintó en otro cuadro requetefamoso, sabéis cual digo ¿no?). Sobre el asiento hay un pañuelo con tabaco y una pipa. La silla está pintada a la luz del día. El arte de Vincent, precursor del expresionismo, era como esa silla: sencillo, directo, natural, directamente salido de las entrañas.

La silla de Paul es de color rojizo y verde y de formas sinuosas, está iluminada por dos velas y tiene dos libros sobre el asiento. En el suelo, una moqueta de colores. Así era la pintura de Paul, precedente del simbolismo, decorativa e intelectual, meditada y elegante, oscura y misteriosa.

Pero nos estamos desviando del tema, volvamos a la historia. No todo era tan idílico en esta amarilla comuna de dos. Vincent y Paul discutían por todo. Que si ese tono es una birria, que si deberías haber pintado ese puente en azul, que si el viento de Arlés es un coñazo, que no tienes ni idea de cocinar, que yo me la pedí primero...

Y como era de suponer, la cosa terminó como el rosario de la aurora. Un día discutieron más de la cuenta. Vincent, auténtico rey del drama, amenazó a Paul con una navaja de afeitar. Paul, harto de tanto teatro, se largó dando un portazo. Y Vincent arrepentido -y posiblemente en un estado de embriaguez bastante lamentable-, se cortó el lóbulo de la oreja derecha, lo envolvió en un pañuelo y se lo llevó a una mujer de vida alegre de la que eran los dos muy “amigos” (pequeños vicios que también sufragaba San Theo).

Este es un autorretrato de Vincent con la oreja vendada.

Paul no quiso seguirle el juego. Fue a avisar al médico y volvió a París. Le dijo a Theo que pasaba de seguir siendo su “mantenido” y se largó en un barco a Tahití, donde vivió feliz y contento el resto de sus días, rodeado de morenitas despechugadas que se dejaban pintar... y hacer otras cosas.

Y colorín colorado la historia de Vincent y Paul se ha acabado.